Someone's Gonna Break Your Heart: goodbye Mr Schlesinger...& thank you. ENGLISH

This morning, a vigorous jump out of bed... another day of confinement and teleworking for the reason which has kinda been a bit the worldwide reason for a few weeks: Coronavirus.

Preparing morning tea (nope, still haven't fallen for "morning coffee" like millions of normal people), opening the laptop, Outlooks and the Internet world where we lay our eyes are on a multitude of information. This morning thoug, one of them catches my eye and makes me shudder... At first, I don't believe it. I'm checking the information... which unfortunately turns out to be true: Adam Schlesinger, co-founder of the Fountains of Wayne, died on April 1st of complications due to this f**ing Coronavirus. 

I can't remember the exact year I heard the Fountains for the first time. Most likely in the late 90s since I remember I was still at college. However, one thing is certain: on every laptop, on every device I use to listen to music "on the road" that I have had since, there is systematically all Fountain of Wayne albums. Why? Because they are one of those artists whose melodies are made of both "good vibes" and whose melodies remain in your head for a good time... A hint of pop, a few notes of rock for songs which, despite the passing years remain timeless. When you have a strong Beatles influence in your blood, difficult to do otherwise, you will say…

Summarizing Adam Schlesinger's career is extremely complicated because the musician is a multifaceted artist and a workaholic. Songwriter, musician, producer, sound engineer, etc. are all the caps he wore - sometimes simultaneously - in his career.

Here, in Belgium, only a few connoisseurs or fans know his name and the huge CV behind the New York man… but I can guarantee you that you have more than certainly already heard if not one of his songs, at least one artist with or for which he has worked.

If we withdraw his bands from the equation his bands Fountains of Wayne, Ivy, Tinted Windows and Fever High, we can - for example – write a few things about his career as a songwriter for... cinema.

Do you remember That Thing You Do!, Tom Hanks’ first directorial movie - for which he also wrote the screenplay - about the tribulations of a young band from the 60ies whose first song - the title of the film - was a dazzling success? Schlesinger is the father of this pop song, for which he got an Oscar nomination.

He’s also the man behind several songs from Music and Lyrics, with Drew Barrymore and Hugh Grant, released in 2007, including The Way Back Into Love. Certainly a sweet one but once again a melody that stays in your mind… 

In 2012, he also wrote The Master of the Seas song for the animated movie Ice Age: Continental Drift, sung by some of the usual characters of the series but also by Jennifer Lopez and Peter Dinklage, our favourite dwarf from Game of Thrones.

Through his work with Ivy, a friendship was formed with the Farrelly brothers. Proof of this are the band songs that appeared in no less than 4 films of the brothers: There's Something About Mary (1998), Me Myself and Irene (2000), Shallow Hal (2001) and Fever Pitch (2005). 

In 2007, he works on a musical based on John Waters' great classic Cry-Baby, which starred a young Johnny Depp. The musical will get several Tony Awards nomination.

In 2015, he also wrote I Have Faith in You for An Act of God, a play whose hero was played by Jim Parsons. Yes… THE Sheldon Cooper of The Big Bang Theory.

Speaking of television, he has worked on a few things too and his experience in musicals has often paid off: in addition to compositions for ceremonies such as the Tony Awards (It's Not Just For Gays Anymore - 2011, sung by Neil Patrick Harris), Billboard Music Awards, The Howard Stern Show, Sesame Street (which won him an Emmy in 2011), Saturday Night Live, his compositions were also sung by Elvis Costello in the special program A Colbert Christmas: The Greatest Gift of All!, in 2008.

Another visually impressive moment was the opening scene for the 2001 Emmy Awards, sung by Jane Lynch, for which he wrote the song TV Is A Vast Wonderland. This opening provides a few good and well-known faces of TV, starting with Leonard Nimoy, the late Mister Spock from the Star Trek series.

If he was known for his qualities as a bass player, the first instrument he learned to play as a kid was actually… the piano. He later learned the bass because he had "a hard time being that kid behind the keyboard that you put in the back of the stage." Yet it was the piano that Schlesinger played on The Bells, B-side song of the Smashing Pumpkins’ 1996 single Thirty-Three. That was also the beginning of Schlesinger and James Iha’s friendship and the latter invited him later to play on each from his solo albums (Let It Come Down, 1998 and Look to the Sky, 2012).

Being under contract under the same record company, Schlesinger ran into Taylor Hanson in the 90’s but the general public would still have to wait another decade before this trio finally added a drummer and form Tinted Windows to release in 2009 this awesome album that is... Tinted Windows.

Adam Schlesinger also wrote or produced songs for other artists such as Crash Test Dummies (Laid Back, 2008), Dashboard Confessional (Alter the Ending, 2009), Chesney Hawkes (Stay Away Baby Jane, 2008)… He also entirely wrote and composed Emmanuelle Seigner’s third album, Distant Lover. A little gem that I recommend to you... If I weren't a fan of Mr Adam, I surely would never have found out that Seigner was a singer.

The Fountains of Wayne have come to Belgium four times over the course of their career. They are therefore part of these groups which, if you are a fan, you must secure yourself a ticket, just to make sure you’ll be at this concert. This is exactly where I was on November 7th, 2011 : at the Botanique in Brussels. An experience I wrote about (in French) in one of the very first articles of this blog.

2011-11-07th Adam Schlesinger at Le Botanique, Brussels (Belgium)

Little did I knew, when I bought my ticket and spent time with the Bota audience, was that fate was going to play a nice trick on me after the last music note was played. By hanging out a bit after the concert, our little group had the chance to see Jodi Porter, the guitarist of FoW and... Adam approaching. An opportunity coming up like this, one has to take it. So I approached Adam to ask him for a photo with him and Jodi, whom he accepted with good grace, and we started to chat…

I have since have been extremely lucky to meet some artists, some actors and actresses but this meeting is a one of a kind because Adam and Jodi are in fact the first two “celebrities” I took a photo with. 

Beyond this "first", I especially have a fond memory of this discussion with Adam. Despite an already impressive career, Adam was extremely kind to us and, with a very good sense of humour, told us – to explain the long gaps between two Fountains of Wayne albums - that he was a "lazy" musician. Great irony when you know... that he never stops working.

That he never stopped working.

It still seems surreal to me, here and now, to use the past tense but with Adam’s death, it is clear that now, it is the only conjugation which turns out to be correct to speak of the Fountains of Wayne, of Ivy, Tinted Windows or Fever High, his side-projects.

As far as I can remember, I can’t recall hearing him singing anything other than choirs. Adam Schlesinger has always been a discreet artist who expressed himself through his musical notes and the lyrics he let others sing. With one exception... Between 2015 and 2019, Adam brought his music touch into the Crazy Ex-Girlfriend TV series, a slightly offbeat comic-musical series. In 2018, he joined the TV cast during a mini-tour where fans could finally listen to composer's voice and... the crazy lyrics of the Crazy Ex-Girlfriend songs. Last September, Schlesinger received an Emmy for Antidepressants Are So Not a Big Deal, written for the show.

Someone’s Gonna Break Your Heart is another FoW song that I really love… It’s true, there’s always someone to break your heart. Today, it is you, Adam, who broke mine by joining other people, anonymous and other artists, following complications from this bastard virus… Here, I am still writing in the present tense. Because I still don’t want to write in the past tense.

But nevertheless, life will definitely go on, in a world... without you, man. But thank you for these great and amazing songs that I’ll always keep around my household. Definitely.

Someone's Gonna Break Your Heart: goodbye Mr Schlesinger...& thank you.

Ce matin, saut du lit… une autre journée confinement et télétravail pour la raison qui est un peu la raison mondiale depuis quelques semaines : Coronavirus.

Préparation du thé du matin (non, je ne me suis toujours pas mise au « café du matin », comme des millions de gens normaux), ouverture du PC, des messageries, du monde de l’Internet où nos yeux se posent sur une multitude d’informations. Sauf que ce matin, l’une d’entre elles accroche mon regard et me fait frémir… Dans un premier temps, je n’y crois pas. Je vérifie l’information… qui s’avère malheureusement exacte : Adam Schlesinger, co-fondateur des Fountains of Wayne, est décédé ce 1^er avril des suites de complications dues à ce putain de Coronavirus.

Impossible de me souvenir de l’année où j’ai entendu les Fountains pour la première fois. Très probablement fin des années 90 puisque je me souviens que j’étais encore aux études. Par contre, une chose est certaine : sur chaque PC portable, sur chaque appareil me servant à écouter de la musique « on the road » que j’ai eu depuis se retrouvait systématiquement l’ensemble des albums des Fountains of Wayne. Pourquoi ? Parce qu’ils font partie de ces artistes dont les mélodies sont faites à la fois de « good vibes » et qui te restent dans la tête pour un bon moment… Un soupçon de pop, quelques notes de rock pour des morceaux qui, malgré les années qui passent, restent intemporels. Quand on a une forte influence Beatles dans le sang, difficile de faire autrement, me direz-vous…

Résumer la carrière d’Adam Schlesinger est extrêmement compliquée parce que le musicien est un vrai touche-à-tout et un bourreau de travail. Auteur-compositeur, musicien, producteur, ingénieur du son, etc. sont autant de casquettes qu’il a portées – parfois simultanément - dans sa carrière.

Seuls quelques connaisseurs ou fans connaissent son nom et l’énorme CV qui se cache derrière le New-Yorkais… mais je peux cependant vous garantir que vous avez plus que certainement déjà entendu si pas l’une de ses chansons, au moins un artiste avec ou pour lequel il a travaillé.

Si on retire ses propres groupes (Fountains of Wayne, Ivy et Fever High), on peut par exemple évoquer sa carrière d’auteur-compositeur pour… le  cinéma.

Vous souvenez-vous du film That Thing You Do!, la première réalisation de Tom Hanks, également auteur du scénario, et suivant les tribulations d’un jeune groupe des 60ies dont la première chanson – le titre du film - connait un succès fulgurant ? C’est Schlesinger qui est le papa de ce morceau pop à souhait, qui lui vaudra une nomination à l’Oscar.

On le retrouve aussi derrière plusieurs chansons du film Music and Lyrics, avec Drew Barrymore et Hugh Grant, sorti en 2007, dont la Way Back Into Love. Certes mielleuse à souhait mais encore une fois une mélodie qui reste en tête…

C’est lui aussi qui écrit en 2012 le morceau Master of the Seas pour le film d’animation Ice Age : Continental Drift, interprétée par quelques-uns des personnages habituels de la série mais aussi par Jennifer Lopez et Peter Dinklage, notre nain préféré de Game of Thrones.

Au travers de son travail avec Ivy est aussi née une amitié avec les frères Farrelly puisque des morceaux du groupe sont apparus dans pas moins de 4 films des frangins : There's Something About Mary (1998), Me Myself and Irene (2000), Shallow Hal (2001) et Fever Pitch (2005).

En 2007, il adapte en comédie musicale le grand classique de John Waters, Cry-Baby, qui avait assuré les débuts de Johnny Depp. La comédie musicale sera nominée plusieurs fois aux Tony Awards, le pendant des Oscars pour les comédies musicales.

En 2015, il a également écrit le morceau I Have Faith in You pour An Act of God, une pièce de théâtre dont le héros était interprété par Jim Parsons. Oui… LE Sheldon Cooper de Big Bang Theory.

En parlant de télé, il n’est pas en reste non plus et son expérience en comédies musicales s’est souvent avérée payante : outre des compositions pour des cérémonies telles que les Tony Awards (It’s Not Just For Gays Anymore – 2011, chantée par Neil Patrick Harris), Billboard Music Awards, The Howard Stern Show, Sesame Street (qui lui vaudra un Emmy en 2011), Saturday Night Live, il fait aussi chanter ses composition à Elvis Costello dans l’émission spéciale A Colbert Christmas : The Greatest Gift of All !, en 2008.

Autre moment visuellement impressionnant, la scène d’ouverture des Emmy Awards de 2001, chantée par Jane Lynch, pour laquelle il a écrit le morceau TV Is A Vast Wonderland. On y voit se succéder un sacré paquet de stars de la télé, à commencer par Leonard Nimoy, le regretté Mister Spock de la série Star Trek.

S’il était connu pour ses qualités de bassiste, c’est pourtant le piano qui l’a plongé dans le monde de la musique alors qu’il était encore enfant. Il a ensuite appris la basse parce qu’il avait « du mal à être ce gamin derrière le clavier qu’on plaçait à l’arrière de la scène ». C’est pourtant de ce piano que Schlesinger a joué sur The Bells, face B du single Thirty-Three des Smashing Pumpkins en 1996. Une belle amitié s’est instaurée entre lui et James Iha et ce dernier l’invitera à jouer sur chacun de ses albums solos (Let It Come Down, 1998 et Look to the Sky, 2012).

Ayant à cette même époque la même maison de disques, Schlesinger rencontre  Taylor Hanson mais il faudra cependant encore attendre une dizaine d’années avant que ce trio rajoute un batteur pour former Tinted Windows et sortir en 2009 ce génialissime album qu’est... Tinted Windows.

Adam Schlesinger a également écrit ou produit des morceaux pour d’autres artistes tels que les Crash Test Dummies (Laid Back, 2008), Dashboard Confessional (Alter the Ending, 2009), Chesney Hawkes (Stay Away Baby Jane, 2008)… Il a aussi entièrement écrit et composé le 3^e album d’Emmanuelle Seigner, Distant Lover. Un petit bijou que je vous recommande… Si je n’étais pas fan de Mr Adam, je n’aurais en tout cas jamais su que Seigner était chanteuse.

Les Fountains of Wayne sont venus quatre fois en Belgique sur leur carrière. Ils font donc partie de ces groupes dont, si vous en êtes fan, il vous faut y courir, à ce concert. C’est ce que j’ai fait le 7 novembre 2011, au Botanique à Bruxelles. Expérience que j’ai racontée dans un des tout premiers articles de ce blog, à vrai dire.

2011-11-07 Adam Schlesinger at Le Botanique, Brussels

Ce que je ne savais pas, en achetant mon billet, en passant ce moment avec le public du Bota, c’est que le destin allait me jouer un joli tour une fois la dernière note jouée. En trainant un peu après le concert, notre petit groupe a eu la chance de voir approcher Jodi Porter, le guitariste des FoW et… Adam. Une occasion pareille, elle se saisit. J’ai donc approché Adam pour lui demander une photo avec Jodi et lui, qu’il a acceptée de bonne grâce, et pour discuter un peu… J’ai depuis eu la chance de rencontrer quelques artistes, quelques acteurs et artistes mais cette rencontre est marquante parce qu’Adam et Jodi sont en fait les deux premières « célébrités » avec lesquelles j’ai fait une photo.

Au-delà de cette « première », je garde surtout un beau souvenir de cette discussion. Malgré une carrière déjà bien remplie, Adam a été d’une extrême gentillesse avec nous et, avec beaucoup d’humour, nous a dit être un musicien « paresseux », expliquant ainsi les écarts si longs entre deux albums des Fountains of Wayne. Grande ironie quand on sait… qu’il n’arrête jamais.

Qu’il n’arrêtait jamais.

Il me semble encore surréaliste, là, maintenant, d’employer le passé mais avec le décès d’Adam, force est de constater que maintenant, c’est la seule conjugaison qui s’avère correcte pour parler des Fountains of Wayne, d’Ivy, des Tinted Windows ou de Fever High, ses side-projects.

De mémoire, je n’ai jamais entendu le son de sa voix pour autre chose que des chœurs. Adam Schlesinger, partout où il est passé, a toujours été un artiste discret qui s’exprimait au travers de ses notes de musique et des paroles qu’il laissait à d’autres le soin de chanter. A une exception près… Entre 2015 et 2019, Adam a apporté sa touch à la série Crazy Ex-Girlfriend, série comico-musicale un brin décalée. En 2018, il a ainsi rejoint l’équipe de la série lors d’une mini-tournée où les fans ont ainsi pu expérimenter en live la voix du compositeur et… le décalage savoureux des chansons de la série. Grâce à cette série, Schlesinger a obtenu en septembre dernier un Emmy pour la chanson – ça ne s’invente pas - Antidepressants Are So Not a Big Deal.

Someone’s Gonna Break Your Heart, une autre des chansons que j’aime beaucoup des FoW… C’est vrai, il y a toujours quelqu’un pour te briser le coeur. Aujourd’hui, c’est vous, Mr Adam, qui a brisé le mien en allant rejoindre d’autres personnes, des anonymes autant que d’autres artistes, suite à des complications de cette saloperie de virus… Voilà, je parle encore au présent. Parce que je n’ai toujours pas envie de parler au passé.

Mais pourtant, il faudra penser à continuer le fil de sa vie, dans un monde... sans toi, mec. Mais merci pour ces chouettes chansons qui, elles, resteront toujours pas très loin.

L’histoire de... Clapton en mode pantouflard…

Dans les questions du jour de la séquence Bagarre dans la Discothèque d'Entrez Sans Frapper, on nous demandait la plus belle chanson qui évoque le plaisir d’être chez soi, en ce mois de janvier et après tous les excès des fêtes de fin d’année.

Plusieurs artistes sont certainement adéquats pour rester bien au chaud et au calme. Personnellement, je ne rechigne pas à l’une ou l’autre BO de Hans Zimmer, un bon Crowded House, voire un Knopfler, un Gilmour ou un BB King mais pour être honnête, pour être « bien », rien de tel qu’un Clapton. Plus précisément, les albums Pilgrim et Back Home, qui restent mes préférés du guitariste britannique. Le premier comporte notamment les bijoux Circus, Born in Time, Broken Hearted ou encore la superbe My Father’s Eyes. Comment résister ?

Dans la discographie de l’artiste, il en existe cependant une qui trouve sa source dans la maison. Ou plutôt dans le fait qu’il a failli ne jamais  sortir de son domicile pour aller là où l’attendait. En 1976, Eric Clapton, alors en couple avec Pattie Boyd, est invité par McCartney et Linda, son épouse, à une cérémonie d’hommage à Buddy Holly. Pattie ne sait pas comment s’habiller et se coiffer pour l’occasion et essaye la quasi entièreté de sa garde-robe, descendant à chaque essai pour montrer le résultat à son compagnon. Ce dernier donne à chaque fois la même réponse : « tu es superbe. Peut-on y aller maintenant ? »… avec pour seul résultat de la voir remonter pour un nouvel essayage. Blasé, Clapton attrape son instrument fétiche et passe le temps entre les différentes apparitions de Pattie. A la fin du défilé, Clapton a écrit une chanson, inspirée apr sa belle : « Wonderful Tonight ».

Il ne s’agit toutefois pas de la première chanson qu’il a écrit pour sa belle : Layla, l’héroïne de la chanson de Derek and the Dominos, c’est elle ! C’est également elle qui a inspiré, sur le même album, le titre Why Does Love Got To Be So Sad. A l’époque, Clapton est amoureux de la belle mais celle-ci est l’épouse d’un autre, à savoir un de ses plus proches amis… George Harrison. Elle refuse d’abord ses avances et le musicien encaisse mal le rejet et se console en prenant l’héroïne comme compagne. Pattie se laissera finalement séduire, notamment à cause des infidélités répétées du Beatles et entame une relation avec Clapton en 1974. Harrison n’en voudra d’ailleurs à aucun des deux puisqu’il acceptera de jouer à leur mariage et qu’il donnera à Clapton le surnom de « beau-mari ».

Le mariage Clapton-Boyd ne sera toutefois de tout repos : si Clapton a abandonné la drogue, il sombre doucement dans l’alcoolisme. De plus, le couple essaye à plusieurs reprises d’avoir un enfant, sans succès. La jeune femme fera d’ailleurs plusieurs fausses couches.

Le couple se séparera en 1988, après la révélation publique de la romance d’Eric avec la mannequin Lory Del Santo. Sa relation avec la jeune femme amènera le petit Connor dans la vie de Clapton, né en 1986. Le petit garçon est d’ailleurs à l’origine de la chanson Tears in Heaven. Ce morceau, co-écrit avec Will Jennings (qui écrira quelques années plus tard les paroles de la célèbre My Heart Will Go On), reste l’un des plus beaux de l’artiste en raison de son côté tragique puisqu’il évoque le décès accidentel de Connor, alors à peine âgé 4 ans. A partir de 2004, Clapton stoppera de la jouer en concert, expliquant qu’il n’en ressentait plus le besoin. En mai 2013, j’ai eu l’occasion de voir l’artiste au Royal Albert Hall et savait qu’il y avait donc aucune chance de l’avoir dans la setlist. Et pourtant… Une note, deux notes… et je l’ai reconnue de suite. Il s’est mis à la jouer. Et moi, je me suis mise à chialer comme une imbécile. Personnellement, Tears in Heaven reste une de ces chansons de Clapton qui me transpercent le cœur bien malgré moi. Dans des moments pareils, rien ne sert de lutter, faut se laisser aller…

Vous l’aurez compris ou vous le saviez déjà, Eric Clapton a donc connu un parcours de vie un peu compliqué. Né sans père en 1945, il a grandi dans une famille où on lui a fait croire pendant des années que ses grands-parents étaient ses parents. Celle qu’il considérait comme sa grande sœur était ainsi en réalité… sa propre mère. D’autres épisodes de vie, teinté de drogues, d’alcool et de cruelles désillusions auraient pu anéantir le merveilleux magicien qu’il est. Il fait pourtant partie de ces musiciens ont survécu à tout.

En 1998, il rencontre Melia McEnery, de 31 ans sa cadette, dont il tombe amoureux. Ils se marient en 2002 et de cette union naîtront 3 petites filles. Lorsque Melia est enceinte de Sophie, la petite dernière, Clapton a alors 59 ans. A ce moment-là, il travaille sur Back Home, un nouvel opus. Cet album, c’est tout bonnement l’illustration du bonheur. Il y parle de son bébé, de ce qu’il cherchait depuis longtemps et qu’il a enfin trouvé. Et mérité. Plus tout jeune et déjà une belle carrière derrière lui, il est clair qu’il souhaite voir grandir ses filles et passer un maximum de temps près d’elles. Alors, pour cette raison, c’est cet album qui est le plus beau pour du cocooning. En particulier la chanson-titre, Back Home.

Aujourd’hui, Eric Clapton tourne encore autour du monde mais plus autant que par le passé. Il continue aussi à sortir des albums. Aujourd’hui âgé de 74 ans, il souffre de soucis au niveau des nerfs, ce qui rend parfois douloureux le simple fait de jouer de la guitare. Il reconnait aussi connaître quelques problèmes d’auditions qui sont un sérieux handicap pour un musicien qui a appris à jouer d’oreille. J’ai eu la chance de voir Clapton 4 fois sur scène et n’hésiterai pas une seconde à le revoir une cinquième fois. Parce qu’il s’agit toujours d’un moment unique, où le voir interagir avec un sacré paquet de bons musiciens reste un vrai plaisir. Mais aussi parce qu’il s’est promis à lui-même qu’il arrêterait la scène dès qu’il aura le sentiment d’y être ridicule. Et sur ce point, je pense qu’on peut lui faire confiance. Après tout, quand le « God » de la musique te dit quelque chose et que ta religion, ce sont des notes de musique, tu le crois.

Pour l'émission du jour, c'est ici. 

L’histoire de… Everybody's Got Something To Hide Except Me And My Monkey (The Beatles, 1968)

Morale du jour : quand, finalement, toutes les opportunités sont bonnes de rester encore un peu à Londres… et de découvrir que les Beatles ont eu un peu de Belgique dans leur monde.

Retour des vacances et reprise des ptis défis « Bagarre du soir » de l'émission Entrez Sans Frapper de la Première ! Hier, impossible de m’y coller puisque je promenais mes godasses entre Londres et Liège au moment où j’écris habituellement. Week-end passé dans un quartier un peu bizarre où un oiseau s’est mis à chanter… à minuit. La dernière nuit, une oie s’est même jointe à lui pour un concerto privé. Et encore, je ne vous parle même pas de la musaraigne qui s’était retrouvée piégée dans l’appart et me regardait du bout du couloir avec un air de « tu veux bien m’ouvrir la porte du jardin que je m’en aille » ? L’ingrate est partie sans même un regard en arrière… Manquait plus qu’un renard qu’on croise habituellement dans la ville le soir ! (Je vous jure, rien n’est inventé… et… non,  je n’ai pas logé au zoo de Londres !) Alors évidemment, quand dans les questions du jour tu as « Quelle est la plus chanson d’un artiste portant un nom d’animal », tu sais que tu dois choisir celle-là.

Premier réflexe : Me And My Monkey de Robbie Williams! Parce que la chanson écrite par Williams sur un défi lancé par un inconnue au bord d’une piscine qui lui avait donné les mots « monkey » et « rollerblades » pour écrire une chanson, elle est bien pêchue, quand même ! D’ailleurs, qui aurait pu croire que le singe inspire autant les artistes: George Michael (Monkey, 1987), Beastie Boys (Brass Monkey, 2000), les Stones (Monkey Man, 1969), Elvis Presley (Too Much Monkey Business, 1956), Peter Gabriel (Shock the Monkey, 1982), les Pixies (Monkey Gone to Heaven, 1989), Black Eyed Peas (Shake Your Monkey, 2005)…

Y a pas que les singes d’ailleurs… Eye of the Tiger, The Lion Sleeps Tonight, Cats in the Cradle, This Here Giraffe, Cat Size, Black Cat… voire les deux merveilleux instrumentaux de Mancini, The Pink Panther et Baby Elephant Walk.

Mais au fait, à la relire… elle est équivoque cette question ! On parle d’une chanson avec un animal dans le titre ou d’un artiste qui porte le nom d’un animal ?! Oh qu’importe, on va faire les deux d’un coup et on va rester avec le singe avec Everybody's Got Something To Hide Except Me And My Monkey des Scarabées. Euhhh, des Beatles, je voulais dire.

Mis à part la particularité d’être la chanson des gars de Liverpool au titre le plus long de leur carrière, elle fait partie du célèbre album The Beatles, plus connu sous le nom de The White Album, pour sa couverture quasi entièrement blanche, violent contraste avec celle l’album précédent, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.

Cet album marque un tournant dans l’histoire de la carrière des Beatles puisqu’il est considéré comme celui de la discorde. Autant entre les membres du groupe que dans leurs vies personnelles, c’est un peu… rock and roll. Et justement, c’est ce son rock qui fait sa réapparition sur certains morceaux de cet album avec Back in the USSR ou Helter Skelter, par exemple.

On pourrait voir dans cette cover une page blanche pour mieux recommencer une relation à zéro mais dans le contexte de l’époque, il s’agissait plutôt d’une représentation d’une absence de relation. Richard Hamilton, l’artiste, a cependant eu l’idée d’ajouter une touche « collector » aux couvertures puisque les premiers pressages comportaient le nom du groupe en surimpression et étaient numérotés. Les quatre premiers numéros (0000001 à 0000004) ont été donnés aux Beatles. 

Pour ce White Album, chaque Beatle appporte du sien, mais souvent séparément. Elle est loin la fusion Lennon-McCartney ! De plus, Harrison et Starr décident de montrer qu’ils savent aussi écrire des chansons (avec While My Guitar Gently Weeps, notamment). Autant dire que George Martin a du fil à retordre pour arriver à mener à bien le projet. Qu’à cela ne tienne, plutôt que de froisser les susceptibilités et de se priver d’excellents morceaux, cet opus se transforme en double album. Au lieu des 13-14 chansons habituelles, les fans ont donc la chance de pouvoir écouter 30 morceaux de leurs idoles. Pourtant, certains morceaux, enregistrés durant ces sessions, seront écartés : ce sera par exemple le cas de Hey Jude que les Fab Four ont voulu dès le départ utiliser comme single isolé. Avec la puissance qu’on connait aujourd’hui à ce morceau qui reste un des plus forts lorsque McCartney l’interprète en concert.

Et là… j’en reviens à la question de l’émission, parce que cet album, c’est une vraie ménagerie ! Sur les 30 chansons, 13 mentionnent des animaux : des oiseaux (Dear Prudence et Blackbird), un morse (Glass Onion), un tigre et un éléphant (The Continuing Story of Bungalow Bill), un lézard (Happiness Is A Warm Gun), des cochons (Piggies), un raton-laveur (Rocky Raccoon), un coquillage (Julia), un aigle et un ver de terre (Yer Blues), un oiseau et une abeille (Cry Baby Cry) et des chiens, des oiseaux et des poissons (Revolution 9). Si Martha My Dear ne mentionne pas d’animal, c’est pourtant bien une chanson qui en parle puisque Martha, c’était la chienne Bobtail de Macca.

Cela fait donc 12 chansons. La treizième est Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey mais ne parle pas tout à fait d’un singe. Dans un premier temps, Paul, George et Ringo pensent qu’il s’agit d’une référence à la drogue. A l’époque, Lennon s’est mis à l’héroïne et a donc connaissance du jargon (notamment du terme « monkey »), qui échappe complètement aux trois autres. Heureusement, Lennon finit par abandonner cette drogue pour revenir à des opiacées moins dangereuses. L’origine de la chanson est tout autre : à l’époque, Lennon tombe sur une caricature qui montre Yoko Ono avec des traits simiesques, en train de grimper sur le dos de son amoureux. Furieux, Lennon retourne la situation et donne ce surnom à Yoko, de manière affectueuse. La chanson parle tout simplement de lui et de Yoko et de leur amour profond, que personne ne semblait comprendre. Il faut dire que la présence quasi permanente de l’artiste en studio – qui donnera naissance à The Continuing Story of Bungalow Bill - pouvait passablement énerver l’équipe, ce dont Lennon n’avait clairement rien à f…

Si entre John et Yoko, la relation a toujours été fusionnelle, au point d’irriter autant les autres Beatles que les fans du groupe, leur première rencontre s’est pourtant soldée par une Yoko Ono qui aurait bien arraché les yeux de John Lennon. En automne 1966, l’artiste avant-gardiste expose ses œuvres et John Lennon vient voir l’exposition. Ayant toujours quelques facéties en stock, il s’amuse avec différentes œuvres de la jeune femme, notamment une pomme posée sur un socle en plexiglas. Il reste abasourdi par le fait que l’on vende 200 Livres une œuvre que l’on va juste regarder se dégrader avec le temps. Il décide d’y apporter sa touche personnelle, attrape la pomme et… croque dedans avant de la reposer sur le socle, déclenchant la fureur de Yoko Ono. Cet pomme était… une Granny Smith.

Coïncidence, The White Album est le premier sorti sous le label Apple Records, créé par les Beatles en 1968 dont le logo est… une Granny Smith. Le choix de cette pomme vient-il justement de cette anecdote entre John et Yoko? Eh oh… faut pas déconner, quand même ! Nenni ! Ce logo Apple s’inspire… de la Belgique et, plus particulièrement, d’un de nos peintres. A savoir Magritte. Dans les sixties, McCartney craque pour l’art de notre compatriote et veut faire l’acquisition de l’une de ses œuvres, qui sont alors nettement meilleur marché que maintenant. Il en parle à un ami qui tient une galerie d’art. Ce dernier passe un jour chez Paul et dépose le tableau Le Jeu de Mourrre sur une table avant de filer et de laisser Paul découvrir la belle surprise. A ma connaissance, Paul McCartney est encore aujourd’hui en possession du tableau représentant une pomme verte où Magritte a écrit « Au revoir ». Comme celui que les membres des Beatles se diront un beau jour d’avril 1970 lorsque McCartney annonce qu’il quitte officiellement le groupe…

Et pour l'émission du jour, c'est ici. 

Martha le chien, Paul le Beatle et Magritte et sa pomme

L’histoire de… Freedom! ‘90 (George Michael, 1990)

Mince alors… Madame Faucheuse continue à faire ses siennes ! Depuis le début de l’année 2016, elle a décidé que la star, ce serait elle et qu’elle serait partout. Elle a tranché le fil de vie de nombreuses personnes, de tous âges et univers. On pourrait moins s’émouvoir du « départ » de certains en raison de leur âge déjà avancé : Zsa Zsa Gabor, Toots Thielemans, John Glenn, Michel Galabru, George Martin, Jack Davis, Pierre Tchernia, Leonard Cohen, Kenny Baker et tant d’autres ont marqué chacun leur univers – parfois sur plusieurs générations - et leur décès reste néanmoins un petit bout d’histoire qui s’en va.

A l’inverse, David Bowie (le 10/01, 69 ans), Alan Rickman (14/01, 69 ans), Prince (21/04, 57 ans), Anton Yelchin (19/06, 27 ans) et quelques autres étaient sincèrement bien trop jeunes pour aller dire « présent ! » à Saint Pierre. Si tant est qu’il existe un Paradis…

La Faucheuse ne se repose jamais et ne prend jamais de congés : le 24 décembre, le monde apprenait le décès de Rick Parfitt, guitariste de Status Quo. Le lendemain, mon fil Twitter faisait défiler la même info à tout va. Une info qui m’a fait l’effet d’une gifle en plein visage. Un instant, j’ai cru à un méchant hoax parce que… non, trop jeune. Après tout, Santana, Lady Gaga et d’autres – Paul McCartney le premier ! – ont déjà été victimes de ce genre de canular de TRES mauvais goût. Mais… quand la BBC, quand le New York Times, quand les agences de presse Reuters et AP relayent l’information, on sait alors qu’on est au-delà d’une rumeur ridicule…

George Michael est donc mort. A 53 ans.

Sans avoir été fan ultime de George Michael, dire que la jeune ado que j’étais fin des années ’80 n’a pas un tantinet bavé sur un de ses posters serait un mensonge éhonté. Toutefois, une fois mis de côté l’aspect « physique », il y avait bien plus en la personne de George Michael. Oui, OK, il y a eu quelques débordements, certes : une sexualité « débordante » et un usage de drogues de manière régulière. Mais qui est parfait sur cette terre ? Et puis, le mode de vie d’un être humain reste – selon moi et tant qu’il ne nuit pas directement à autrui – une affaire personnelle.

George Michael, c’était aussi une put*** de voix. Parfois douce comme posée sur du velours (Jesus to a Child), parfois pleine de force (Monkey), voire un savant mélange des deux (Freeek) mais toujours agréable à l’oreille.

Le 30 janvier 2009, dans une version précédente de ce blog alors présent sur Facebook sous forme d’un groupe, je postais une chronique sur cet artiste qui a écrit une page du Grand Livre de la Musique, en parlant d’un de ses hits, Freedom.

Absent de la scène et des médias depuis quelques années, George Michael n’avait, en 30 ans de carrière solo, sorti que 6 albums, 2 best-of et un album live. Vendus à plus de… 100 millions d’albums. Qu’on l’ait aimé ou pas, dire que George Michael n’a pas marqué l’Histoire de la Musique serait un peu exagéré, non ?

Ci-dessous, je vous présente cette ancienne chronique. Il s’agit d’une version quasi-inchangée de ce que j’avais écrit à l’époque. Le principe de mes chroniques de l’époque étant une connexion établie entre deux d’entre elles, j’ai toutefois changé quelques parties (mise entre crochets) pour qu’elle reste cohérente.

« Né Georgios-Kyriacos Panayiotou (on comprendra pourquoi il a choisi de se produire avec un nom de scène !), George Michael connaîtra d’abord le succès au sein du groupe Wham! formé en 1981 et dissout en 1986. Les plus jeunes d’entre vous ne s’en souviennent peut-être pas mais Wham! est à l’origine de pas mal de hits que l’on repasse encore aujourd’hui de manière régulière : Wake Me Up Before You Go Go ou Last Christmas, par exemple.

Mais revenons-en à notre chanson: sortie en 1990 et extraite de l’album Listen Without Prejudice, Vol 1, Freedom! ‘90 est l’une des plus longues de George Michael… pas loin de 7 minutes. Si vous vous penchez un peu sur les paroles, vous apprendrez qu’elle parle d’un jeune homme se sentant oppressé par l’image que l’on veut montrer de lui et qu’il veut se libérer de cette même image : il faut savoir que déjà à l’époque de Wham!, un paquet de jeune filles étaient dingues de George et de son physique et, bien entendu, sa compagnie de disques l’encourage vivement à jouer de cette image afin de booster les ventes. Ouais… sauf qu’à la longue, ça lasse et là, pour le coup, George, il en a marre ! Résultat : il veut son indépendance et, en l’occurrence, quitter sa maison de disques. Sauf que ce n’est pas si facile que ça… Il finit par écrire cette chanson afin de mettre en avant ce ras-le-bol…

Et pour bien l’illustrer, il refuse tout d’abord d’apparaître dans la vidéo. Qu’à cela ne tienne, il recrute un ensemble de top-models pour « chanter » la chanson à sa place. Parmi elles, Linda Evangelista, Naomi Campbell, Cindy Crawford, Christy Turlington… [Le réalisateur] illustrera la révolte de George en détruisant quelques symboles lui étant associés : la guitare et le blouson de cuir de l’époque de l’album « Faith »…

Vous savez tous maintenant que l’on a appris que George Michael était homosexuel en 1998, soit 8 ans après la sortie de Freedom (Vous saviez pas ? Heuuuu désolée alors…). Je vous encourage dès lors à vous pencher à nouveau sur les paroles car là soudainement, la chanson prend une toute autre signification et révèle le talent de parolier du britannique. Avec une seule et même chanson, il arrive à faire passer 2 messages séparés : le ras-le-bol de sa maison de disques ET la difficulté d’être idolâtré par des femmes et de devoir ainsi cacher sa vraie « nature ».

Encore une anecdote à propos de cette chanson : vous avez sans doute remarqué que la chanson était suivie d’un 90. Pas besoin d’être un génie pour comprendre qu’il s’agit de l’année de sortie du single mais pourquoi cette rajoute ? Et bien tout simplement afin d’éviter une confusion car Wham! avait déjà sorti un single portant le même titre en 1984.

[partie supprimée]

[Allez une dernière information à propos de Freedom. Je parlais un peu plus haut du réalisateur sans le nommer directement. Ce dernier n’est en effet pas un novice quand il réalise cette vidéo. En 1990, il a déjà à son compte des vidéos pour Sting, Steve Winwood, Paula Abdul et, quelques mois auparavant, il réalisait Vogue, sa troisième vidéo pour Madonna. Devenu depuis réalisateur de long-métrages, il est revenu à ses premières amours en 2013 en réalisant la vidéo Suit & Tie de Justin Timberlake et Jay-Z. Elle lui permettra d’acquérir un second Grammy Award, 18 ans après celui obtenu pour Love Is Strong des Rolling Stones. Suit & Tie lui permettra également de voler le titre de réalisateur le plus récompensé aux MTV Video Music Awards à Spike Jonze. Qui est donc le réalisateur de Freedom ? David Fincher, le « papa » de Seven, Fight Club, Panic Room ou – plus récemment – Gone Girl.]

George Michael n’est plus mais il nous restera quelques bons morceaux… Et un peu plus pour certaines personnes.

Souvenez-vous, en 1991, il enregistre en duo la chanson Don’t Let the Sun Go Down on Me avec Elton John, créateur de celle-ci. Les bénéfices de ce single seront reversés à pas moins d’une dizaine d’actions caritatives.

Il a également participé, l’année suivante, au concert d’hommage à Freddie Mercury, disparu quelques mois auparavant. Aux côtés de Bowie (!), Axl Rose, Elton John, Annie Lennox, Slash, Lisa Stansfield, il interprète notamment une version inoubliable de Someone to Love, méritant le respect.

S’il a fait souvent la une des journaux avec ses déboires, il a su cependant garder certaines choses secrètes. Au lendemain de sa mort, des langues se sont déliées. Oh non, rien de dramatique ou de scandaleux. Non… Tenues au secret du vivant de l’artiste – selon sa propre volonté – plusieurs personnes ont aujourd’hui avoué que George Michael avait discrètement fait des dons à de multiples associations caritatives ou, simplement, aidé des gens dans le besoin.

A une étudiante en soins infirmiers criblée de dettes, il avait offert 5 000£.

A une jeune femme ayant besoin d’argent pour réaliser l’insémination qui lui permettrait de devenir maman, il avait apporté la somme nécessaire.

Il avait acquis le piano de John Lennon, celui sur lequel il avait composé Imagine. Il en avait ensuite fait discrètement don au musée Beatles Story à Liverpool, parce qu’il voulait que le piano revienne sur la terre natale du Beatles. Il y est toujours aujourd’hui.

Tous les bénéfices de son titre Jesus to a Child – chansons écrite à la mémoire d’un de ses amants - avaient été reversés à différentes associations.

Il était également un fréquent donateur de Childline, une association venant en aide aux enfants.

Ce matin, la Présidente de Childline disait ceci :

« Depuis maintenant plusieurs années, il était l’un des plus extraordinaires et généreux philanthropes de notre association mais il était déterminé à ce que sa générosité ne soit pas rendue publique ainsi personne en dehors de notre association ne pourrait savoir à quel point il avait pu donner aux enfants les plus vulnérables de notre nation. Au fil des ans, il nous a donné des millions et nous avions prévu l’an prochain, afin de célébrer notre 30^e anniversaire, d’organiser en concert en son hommage, pour son talent artistique, pour son incroyable musicalité mais aussi pour le remercier pour les centaines de milliers d’enfants qu’il a aidé grâce à ses dons. ».

George ne sera donc malheureusement pas là ce jour-là pour recevoir son hommage. Mais nul doute qu’il en a reçu en masse ce jour. A juste titre.

Salut l’artiste !