Walking on Cars – Everything this Way (2016) FRENCH

Un an. C’est à peu près le retard que j’ai pour Walking on Cars. Il y a presque deux semaines, une amie m’a envoyé un tweet à propos du groupe, en y associant leur vidéo Speeding Cars.

Puisque je fais souvent deux choses en même temps, j’ai continué à boulotter sur mon projet tout en écoutant la vidéo plus que de la regarder et l’écouter. Ça s’est souvent avéré être la meilleure solution pour trouver un bon groupe plutôt qu’un beau groupe.

Ne vous méprenez pas, je n’ai rien contre un joli garçon ou fille mais quand on cause musique, les seules choses qui m’importent sont les notes de musique, les paroles et un bon feeling.

S’ils peuvent me surprendre ? Extra. S’ils me font danser dans ma cuisine, casque sur les oreilles ? Encore mieux.

Lequel de ces stades Walking on Cars a atteint. Nous allons voir mais faisons d’abord connaissance avec le groupe.

Le groupe, composé de 5 membres, s’est formé à Dingle, en Irlande. The Cranberries, The Corrs, Snow Patrol, The Script, The Boomtown Rats ou, bien sûr U2 sont juste quelques exemples qui vous aident à avoir foi en ces enfants de l’Irlande lorsque l’on parle musique. Et puis, on découvre que Walking on Cars s’est formé parce que leurs membres… s’ennuyaient. Ajoutez à cela que le nom du groupe veut dire… ben rien, en fait : c’est juste un terme qu’Evan Hadnett – le batteur du groupe – a lâché à chaud alors qu’ils essayaient de trouver leur nom. Vous parlez d’un plan de carrière, hein ?

Bon attendez, partez pas parce qu’en fait, il y a un peu plus que ce que l’on voit au premier abord derrière ces cinq-là.

Tout d’abord, vivre dans une petite ville (1500 âmes… grand maximum), quasiment isolée du reste du monde, peut effectivement provoquer quelques sacrés moment d’ennui mais vous trouverez nettement plus facilement un bon groupe d’amis que dans la grande Londres de 8 millions d’habitants. Et c’est ce qu’ils sont.

Ensuite, ce n’est pas parce que vous choisissez un nom qui ne veut rien dire que vous n’êtes pas passionné, motivé et bosseur. Et c’est ce qu’ils sont. Encore une fois.

Après avoir décidé qui jouait de quoi (parce que 3 guitaristes et pas de bassiste était apparemment « un peu trop » :D ), le groupe s’est isolé dans une maison, loin de toutes distractions : pas d’Internet, pas de télé, pas de couverture téléphonique, pas de transports. Ils se sont concentrés sur ce qui les avait amenés là : la musique. Juste la musique. On pourrait penser que les fondations du groupe se sont établies là-bas et de cette façon grâce à cet épisode de leur vie.

Avec leur musique en poche, quelle suite ? La faire connaitre au monde, pardi ! Enfin… en Irlande, d’abord. Le concours Red Bull Bedroom Jam a été en cela une superbe opportunité pour le groupe puisque… ils en ont été les vainqueurs de l’édition 2012, leur permettant d’enregistrer As We Fly South, leur tout premier album, orchestré, produit et mixé par Tom McFall.

Le groupe gagne la reconnaissance de sa terre natale et joue bientôt devant des fans et des représentants de labels… s’assurant finalement d’un contrat avec Universal et un EP, sorti en 2014. Ils ont ensuite pris le temps de se construire un fan base hors de l’Irlande avant de sortir, début 2016, l’album dont je vais vous parler. D’ailleurs, assez d’histoire : parlons maintenant musique…

La plage d’ouverture est Catch Me If You Can, qui explore ces moments de la vie où on se sent moins sûr de soi, moins fort et où l’on se rend compte que, finalement, il n’y a aucune honte à avoir parce que… c’est une des choses qui font partie de la Vie. Le choix de placer cette chanson en ouverture est idéal et impose ce son avec lequel nous allons devenir familiers…

Vient ensuite ce morceau de dingue qu’est Two Stones… Mélodie des plus entrainantes à laquelle on ne peut ABSOLUMENT pas résister tandis que Sheehy nous parle de… HEIN, QUOI ?! La chanson explore un sujet sombre et triste – également décrit dans la vidéo – et j’ai un large sourire sur le visage ?! Et bien, je suppose que le voilà, le moment de surprise envoyé par le groupe. Etape une, me surprendre : ça, c’est fait.

Don’t Mind Me est un bon morceau pour enchaîner sur Two Stones. Notre héros semble alors avoir trouvé une certaine forme de rédemption et voit la vie sous un jour moins sombre…

A ce moment de l’écoute, je commence à ressentir un truc que j’ai déjà vécu en 2012 lorsque j’ai écrit mon article sur les Imagine Dragons. A l’époque, le groupe n’avait encore sorti qu’un EP et n’était pas encore venu faire le tour de l’Europe mais j’avais senti un « quelque chose » dans cet EP, un ptit feeling qui apparaissait à la fin de chaque chanson… ce sentiment qu’il y avait là quelque chose qui en valait la peine, un quelque chose qui donnait confiance. Walking On Cars et Imagine Dragons sont différents mais quand il s’agit de musique, votre intuition ne vous trompe pas… Après avoir écouté les trois premières chansons de Everything This Way, j’avais la forte impression que je pouvais faire confiance au groupe irlandais.

Avais-je tort ? Les neuf chansons restantes allaient-elles me donner tort ?

Oh que non. Non, non. Vraiment pas.

Speeding Cars était – en quelque sorte – un premier rendez-vous avec le groupe et avait déjà déclenché quelque chose : musique un tantinet dramatique, paroles touchantes… Tous les ingrédients étaient réunis pour me faire tomber amoureuse. Et cela a effectivement marché. 2 :27, le frisson intense et 2 :37, l’affaire était dans le sac. Parce que 10 secondes à l’intérieur d’une chanson, c’est parfois bien assez pour tomber amoureux.

Flying High Falling Low, As We Fly South (choix parfait pour clore l’album!) et – plus spécialement - Love Back Down se sont également frayées un chemin à travers la partie sensible de ma personnalité. J’ai parfaitement compris la signification de Hand in Hand puisque je me souviens très bien de ces rares moments où il ne m’a fallu que quelques minutes pour me sentir à l’aise avec quelqu’un que je venais de rencontrer. Parfois la vie est faire de moments un peu dingues, inexplicables mais juste beaux… Tick Tock et Always Be With You, avec leurs rythmiques addictives, me sont restées en tête pendant des heures après les avoir écoutées…

Walking On Cars m’a-t-il fait atteindre l’étape deux? Vous savez, la partie où je suis debout dans la cuisine, en train de danser et n’en ayant absolument rien à faire que n’importe qui puisse me voir ? Oui. Plus d’une fois! Ship Goes Down, Hand in Hand et At Gunpoint m’ont emmenée sur cette piste de danse… Donc, étape deux : ça, c’est fait aussi!

La voix de Patrick Sheehy a clairement un sacré potentiel et je suis certaine qu’avec le temps, nous allons découvrir une palette encore plus large de ses capacités vocales… Nous en avons déjà un petit aperçu sur Don’t Mind Me, Hand in Hand et As We Fly South, par exemples. Sa voix m’a rappelé, à de nombreuses reprises, la voix de l’un de mes chanteurs favoris, alias Tom Smith, du groupe britannique Editors. Smith a cette incroyable capacité à sortir des notes extrêmement basses et de nous impressionner trois secondes plus tard en lâchant des notes placées fort haut. La voix de Sheehy (Pa, pour ses amis) a une voix plus rauque qui le rend différent de Smith – et tout aussi agréable à écouter – mais j’ai le sentiment que le timide jeune homme de Dingle pourrait bien continuer à nous impressionner dans le futur…

Un groupe n’est pas uniquement fait d’un chanteur. Du coup, laissez-moi vous présenter les autres membres de Walking On Cars. Honneur aux dames : Sorcha Durham est la pianiste/claviériste du groupe et… seule demoiselle de cet ensemble fort masculin. Nous avons ensuite Dan Devane à la guitare, Paul Flannery à la basse et Evan Hadnett derrière la batterie. Walking On Cars est un de ces groupes où vous pouvez clairement entendre – en écoutant l’album – que chacun de ses membres apporte son talent pour faire de chaque chanson un bel ensemble musical. Ouvrez grand les oreilles sur chaque chanson et vous entendrez la partie piano. Ou la basse. Ou la batterie. Ou la guitare. Parfois, le son d’un instrument se perd dans la masse ou dans le processus de mixage et je déteste cela. Pour moi, un musicien est tout aussi important qu’un chanteur et j’aime entendre le son d’un instrument (sauf peut-être l’accordéon mais cela est une autre histoire). J’ai eu entière satisfaction sur ce point en écoutant Everything This Way et suis impatiente de vivre un second épisode avec ces cinq-là…

Parce que oui, chers lecteurs, il y aura un second épisode puisque le groupe a récemment annoncé sur Twitter qu’ils ont commencé à écrire pour leur second album.

Oh… une dernière chose : un des (très !) bons côtés de la musique est qu’elle voyage à travers le temps, parfois à travers les décennies pour finalement nous atteindre. Robert Johnson a enregistré sa première chanson en 1936, les Beatles se sont séparés il y a presque 50 ans mais nous pouvons encore aujourd’hui apprécier leur musique. Je suis une année en retard pour les Walking On Cars mais après tout ne vaut-il pas mieux tard… que jamais ?   

Je suis contente qu’Elodie les ai mis sur mon chemin parce que ce n’était définitivement pas une perte de temps. Cela pourrait même être le début d’une belle histoire d’amour musicale… Ils ont un concert prévu dans ma Belgique natale et ont la chance de pouvoir jouer à l’Ancienne Belgique – probablement la plus belle salle de concert de Belgique – mais comme le concert est sold out, je ne serai pas de la partie cette fois pour apprécier leur musique en live. Mais Messieurs – et Mademoiselle ! – soyez certains que lors de votre retour en Belgique, je vous… attraperai si je peux ! ;)

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Dernière petite note : gros bravo à l’artiste qui a réalisé la couverture de l’album. Beau mélange de noir et blanc avec des touches de couleur. Pour laisser libre cours à vos propres interprétations…

Tracklist :

Catch Me If You Can

Two Stones

Don’t Mind Me

Ship Goes Down

Speeding Cars

Love Backs Down

Always Be With You

Hand in Hand

At Gunpoint

Tick Tock

Flying High Falling Low

As We Fly South

Walking on Cars – Everything this Way (2016)

One year. This is pretty much how late I am for Walking on Cars. Almost two weeks ago, a friend tweeted me about the band, sending me their Speeding Cars video.

As I often do two things at a time, I kept on working on my project while listening to the video instead of listening and watching it. It’s often been the best way for me to find a good music band and not a good-looking music band.

Don’t get me wrong, I have nothing against a good looking guy or girl but when it comes to music, the only thing that matters to me are music notes, lyrics and a good spirit.

If they can surprise me? Better. If they make me dance in my kitchen, with my headphones on? Even Better.

Which one of these levels did Walking on Cars reach? Well, we’ll see but first let’s get to know the band.

The 5-piece band was formed in Dingle, Ireland. The Cranberries, The Corrs, Snow Patrol, The Script, The Boomtown Rats or, of course, U2 are just a few that helps you believe in Ireland’s children when it comes to music. Then you find out that Walking on Cars was apparently first formed out of… boredom. Add to that that the band’s name means actually… nothing: it’s just something Evan Hadnett – the band’s drummer – said in the heat of the moment when they were trying to find a name. So much for a career plan, eh?

Hey wait, don’t leave yet because there’s actually more than meets the eye with these five.

First, living in a small town (1500 souls… ish. At the most.), nearly isolated from the rest of the world, may indeed lead to a few moments of boredom but you’ll find yourself a bunch of good friends much more easily than in the crowded 8 million-people of London. And that’s what they are.

Second, just because you picked a name that means nothing doesn’t mean you’re not passionate, driven and hard-working. And that’s what they are. Again.

After deciding who’d play which instrument (‘cos 3 guitarists with no bassist was apparently a bit “too much” :D ), the band isolated themselves in a house, far from any distractions: no Internet, no television, no mobile phone coverage, no transport. All they did was focus on what brought them there: music. Just music. Some may think this episode was probably how and where their foundations were built.

With music in their pockets, what was next? Spreading it to the world, of course! Well… Ireland first. One good opportunity came along the way with the Red Bull Bedroom Jam competition… which they won in 2012, leading to the recording of As We Fly South, the band’s very first album, produced, engineered and mixed by Tom McFall.

The band got recognition in their homeland and were soon playing a show in front of fans and music labels executives… ensuring themselves a record deal with Universal and an EP, released in 2014. Then they took their time, building themselves a fan base outside Ireland before releasing, in early 2016, the album I’m about to talk to you about. So enough band history now and more music talk…

The album opens with Catch Me If You Can, exploring those moments in life when we do not feel so confident or strong and showing that finally there’s no shame in it cos… that’s just what life is. The song is also wisely chosen as first track and sets up the sound that we’re about to get familiar with…

Then comes that crazy tune that is Two Stones… Uplifting melody to which you ABSOLUTELY can’t stay insensitive while Sheehy’s singing about… WAIT, WHAT?! The song explores a quite dark and sad subject – as also described in the video - and I’m just having a big smile on my face?! Well I guess this is the moment of surprise provided to me by the band. Step one, surprising me: done.

Don’t Mind Me is a nice follow-up to Two Stones. Our hero seems to find a little redemption and finally see life in a brighter day…

To this point, I began to have a feeling that I’ve had already experienced in 2012 when I wrote my article about Imagine Dragons. Back then, the band had only released an EP and not started touring Europe yet but I sensed a little something in that EP, a certain something that happened at the end of each song… the feeling that there was something worth the shot, worth the faith. Walking on Cars and Imagine Dragons are different but when it comes to music, your guts can’t fool you… After listening to the first three songs of Everything This Way, I had the feeling that I could put some faith in the Irish band.

Was I wrong? Did the nine songs left proved me wrong?

Oh no. No, no. Definitely not.

Speeding Cars was sort of a first date with the band and it definitely triggered something: that dramatic music, those touching lyrics… All that was there was made to make me fall in love. And it worked. 2:27, the intense thrill and 2:37 that was done. Because 10 seconds within a song are enough to fall in love.

Flying High Falling Low, As We Fly South (perfect ending for the album!) and - especially - Love Back Down definitely made their way to the soft part of my personality as well. I definitely understood the meaning of Hand in Hand as I remembered those rare moments when it only took me a few minutes to feel good with someone I had just met. Sometimes, life’s just made of crazy natural beautiful moments… Tick Tock and Always Be With You, with their addictive rhythms, stayed inside my head for hours after first listening to them…

Did Walking On Cars get me to step two? You know, the part where I get up in my kitchen, dancing and not caring at all that anyone could actually see me? Yep, they did. More than once. Ship Goes Down, Hand in Hand and At Gunpoint got me there… So step two: done!

Patrick Sheehy’s voice has clearly a great potential and I’m sure that in time, we’ll see an even wider range of his voice abilities… We already have a few hints of it on Don’t Mind Me, Hand in Hand and As We Fly South, for example. In many ways, his voice reminded me of one of my favourite singers, AKA Tom Smith, of the British band Editors. Smith has this incredible capacity of providing deep notes and yet be able to impress us by singing some higher pitched-notes. Sheehy’s voice (Pa, as his friends call him) has got a more raspy tone that makes it different from Smith – and as much enjoyable - but I have the feeling that the shy young man of Dingle will keep impressing us in the future…

A band is not only made of a singer, so let me introduce you to the other members of Walking On Cars. Ladies first: Sorcha Durham is the pianist of the band and only girl in this very male universe. Then we have Dan Devane at the lead guitar, Paul Flannery playing bass and Evan Hadnett behind the drums. Walking On Cars is one of those bands where you can clearly hear – while listening to the album – that each member bring his/her talent to make each song a good ensemble of music. Open you ears to the sound of e-ve-ry song and you’ll find out that you can clearly hear the piano. Or the bass. Or the drums. Or the lead guitar. Sometimes, an instrument sound is lost in the process of mixing or arrangements made and I hate that. To me, a musician is as important as a singer and I love the sound of instruments (well maybe not the accordion but that’s another story). I got a pretty good share of that while listening to Everything This Way and I sure can’t wait to get a second round of that from all of them…

Because yes, readers, there WILL be a second round as the band recently announced on Twitter that they’ve started writing for the next album.

Oh and one last thing : one (very!) good thing about music is that it travels through time, sometimes through many decades to – eventually – get to you, to any of us someday. Robert Johnson recorded his first song in 1936, the Beatles split almost 50 years but we can still enjoy the sound of their music today. I’m one year late for the Walking on Cars but after all, isn’t it better late… than never? I’m glad Elodie put them in my way because it was definitely no waste of time. It may even be the beginning of a beautiful music love story… They have one show planned in my native Belgium and are lucky to play in Ancienne Belgique - probably the greatest venue in Belgium – but since it’s a sold out show, I won’t be there this time to enjoy their live skills. But guys – and girl! – be sure that next time you’re in Belgium, I’ll… catch you if I can! ;)

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Last word: a big thumb up to the artist that worked on the cover of the album. Beautiful mix of black and white with touch of colour. Open to any interpretation of yours…

Tracklist :

Catch Me If You Can

Two Stones

Don’t Mind Me

Ship Goes Down

Speeding Cars

Love Backs Down

Always Be With You

Hand in Hand

At Gunpoint

Tick Tock

Flying High Falling Low

As We Fly South

L’histoire de… Freedom! ‘90 (George Michael, 1990)

Mince alors… Madame Faucheuse continue à faire ses siennes ! Depuis le début de l’année 2016, elle a décidé que la star, ce serait elle et qu’elle serait partout. Elle a tranché le fil de vie de nombreuses personnes, de tous âges et univers. On pourrait moins s’émouvoir du « départ » de certains en raison de leur âge déjà avancé : Zsa Zsa Gabor, Toots Thielemans, John Glenn, Michel Galabru, George Martin, Jack Davis, Pierre Tchernia, Leonard Cohen, Kenny Baker et tant d’autres ont marqué chacun leur univers – parfois sur plusieurs générations - et leur décès reste néanmoins un petit bout d’histoire qui s’en va.

A l’inverse, David Bowie (le 10/01, 69 ans), Alan Rickman (14/01, 69 ans), Prince (21/04, 57 ans), Anton Yelchin (19/06, 27 ans) et quelques autres étaient sincèrement bien trop jeunes pour aller dire « présent ! » à Saint Pierre. Si tant est qu’il existe un Paradis…

La Faucheuse ne se repose jamais et ne prend jamais de congés : le 24 décembre, le monde apprenait le décès de Rick Parfitt, guitariste de Status Quo. Le lendemain, mon fil Twitter faisait défiler la même info à tout va. Une info qui m’a fait l’effet d’une gifle en plein visage. Un instant, j’ai cru à un méchant hoax parce que… non, trop jeune. Après tout, Santana, Lady Gaga et d’autres – Paul McCartney le premier ! – ont déjà été victimes de ce genre de canular de TRES mauvais goût. Mais… quand la BBC, quand le New York Times, quand les agences de presse Reuters et AP relayent l’information, on sait alors qu’on est au-delà d’une rumeur ridicule…

George Michael est donc mort. A 53 ans.

Sans avoir été fan ultime de George Michael, dire que la jeune ado que j’étais fin des années ’80 n’a pas un tantinet bavé sur un de ses posters serait un mensonge éhonté. Toutefois, une fois mis de côté l’aspect « physique », il y avait bien plus en la personne de George Michael. Oui, OK, il y a eu quelques débordements, certes : une sexualité « débordante » et un usage de drogues de manière régulière. Mais qui est parfait sur cette terre ? Et puis, le mode de vie d’un être humain reste – selon moi et tant qu’il ne nuit pas directement à autrui – une affaire personnelle.

George Michael, c’était aussi une put*** de voix. Parfois douce comme posée sur du velours (Jesus to a Child), parfois pleine de force (Monkey), voire un savant mélange des deux (Freeek) mais toujours agréable à l’oreille.

Le 30 janvier 2009, dans une version précédente de ce blog alors présent sur Facebook sous forme d’un groupe, je postais une chronique sur cet artiste qui a écrit une page du Grand Livre de la Musique, en parlant d’un de ses hits, Freedom.

Absent de la scène et des médias depuis quelques années, George Michael n’avait, en 30 ans de carrière solo, sorti que 6 albums, 2 best-of et un album live. Vendus à plus de… 100 millions d’albums. Qu’on l’ait aimé ou pas, dire que George Michael n’a pas marqué l’Histoire de la Musique serait un peu exagéré, non ?

Ci-dessous, je vous présente cette ancienne chronique. Il s’agit d’une version quasi-inchangée de ce que j’avais écrit à l’époque. Le principe de mes chroniques de l’époque étant une connexion établie entre deux d’entre elles, j’ai toutefois changé quelques parties (mise entre crochets) pour qu’elle reste cohérente.

« Né Georgios-Kyriacos Panayiotou (on comprendra pourquoi il a choisi de se produire avec un nom de scène !), George Michael connaîtra d’abord le succès au sein du groupe Wham! formé en 1981 et dissout en 1986. Les plus jeunes d’entre vous ne s’en souviennent peut-être pas mais Wham! est à l’origine de pas mal de hits que l’on repasse encore aujourd’hui de manière régulière : Wake Me Up Before You Go Go ou Last Christmas, par exemple.

Mais revenons-en à notre chanson: sortie en 1990 et extraite de l’album Listen Without Prejudice, Vol 1, Freedom! ‘90 est l’une des plus longues de George Michael… pas loin de 7 minutes. Si vous vous penchez un peu sur les paroles, vous apprendrez qu’elle parle d’un jeune homme se sentant oppressé par l’image que l’on veut montrer de lui et qu’il veut se libérer de cette même image : il faut savoir que déjà à l’époque de Wham!, un paquet de jeune filles étaient dingues de George et de son physique et, bien entendu, sa compagnie de disques l’encourage vivement à jouer de cette image afin de booster les ventes. Ouais… sauf qu’à la longue, ça lasse et là, pour le coup, George, il en a marre ! Résultat : il veut son indépendance et, en l’occurrence, quitter sa maison de disques. Sauf que ce n’est pas si facile que ça… Il finit par écrire cette chanson afin de mettre en avant ce ras-le-bol…

Et pour bien l’illustrer, il refuse tout d’abord d’apparaître dans la vidéo. Qu’à cela ne tienne, il recrute un ensemble de top-models pour « chanter » la chanson à sa place. Parmi elles, Linda Evangelista, Naomi Campbell, Cindy Crawford, Christy Turlington… [Le réalisateur] illustrera la révolte de George en détruisant quelques symboles lui étant associés : la guitare et le blouson de cuir de l’époque de l’album « Faith »…

Vous savez tous maintenant que l’on a appris que George Michael était homosexuel en 1998, soit 8 ans après la sortie de Freedom (Vous saviez pas ? Heuuuu désolée alors…). Je vous encourage dès lors à vous pencher à nouveau sur les paroles car là soudainement, la chanson prend une toute autre signification et révèle le talent de parolier du britannique. Avec une seule et même chanson, il arrive à faire passer 2 messages séparés : le ras-le-bol de sa maison de disques ET la difficulté d’être idolâtré par des femmes et de devoir ainsi cacher sa vraie « nature ».

Encore une anecdote à propos de cette chanson : vous avez sans doute remarqué que la chanson était suivie d’un 90. Pas besoin d’être un génie pour comprendre qu’il s’agit de l’année de sortie du single mais pourquoi cette rajoute ? Et bien tout simplement afin d’éviter une confusion car Wham! avait déjà sorti un single portant le même titre en 1984.

[partie supprimée]

[Allez une dernière information à propos de Freedom. Je parlais un peu plus haut du réalisateur sans le nommer directement. Ce dernier n’est en effet pas un novice quand il réalise cette vidéo. En 1990, il a déjà à son compte des vidéos pour Sting, Steve Winwood, Paula Abdul et, quelques mois auparavant, il réalisait Vogue, sa troisième vidéo pour Madonna. Devenu depuis réalisateur de long-métrages, il est revenu à ses premières amours en 2013 en réalisant la vidéo Suit & Tie de Justin Timberlake et Jay-Z. Elle lui permettra d’acquérir un second Grammy Award, 18 ans après celui obtenu pour Love Is Strong des Rolling Stones. Suit & Tie lui permettra également de voler le titre de réalisateur le plus récompensé aux MTV Video Music Awards à Spike Jonze. Qui est donc le réalisateur de Freedom ? David Fincher, le « papa » de Seven, Fight Club, Panic Room ou – plus récemment – Gone Girl.]

George Michael n’est plus mais il nous restera quelques bons morceaux… Et un peu plus pour certaines personnes.

Souvenez-vous, en 1991, il enregistre en duo la chanson Don’t Let the Sun Go Down on Me avec Elton John, créateur de celle-ci. Les bénéfices de ce single seront reversés à pas moins d’une dizaine d’actions caritatives.

Il a également participé, l’année suivante, au concert d’hommage à Freddie Mercury, disparu quelques mois auparavant. Aux côtés de Bowie (!), Axl Rose, Elton John, Annie Lennox, Slash, Lisa Stansfield, il interprète notamment une version inoubliable de Someone to Love, méritant le respect.

S’il a fait souvent la une des journaux avec ses déboires, il a su cependant garder certaines choses secrètes. Au lendemain de sa mort, des langues se sont déliées. Oh non, rien de dramatique ou de scandaleux. Non… Tenues au secret du vivant de l’artiste – selon sa propre volonté – plusieurs personnes ont aujourd’hui avoué que George Michael avait discrètement fait des dons à de multiples associations caritatives ou, simplement, aidé des gens dans le besoin.

A une étudiante en soins infirmiers criblée de dettes, il avait offert 5 000£.

A une jeune femme ayant besoin d’argent pour réaliser l’insémination qui lui permettrait de devenir maman, il avait apporté la somme nécessaire.

Il avait acquis le piano de John Lennon, celui sur lequel il avait composé Imagine. Il en avait ensuite fait discrètement don au musée Beatles Story à Liverpool, parce qu’il voulait que le piano revienne sur la terre natale du Beatles. Il y est toujours aujourd’hui.

Tous les bénéfices de son titre Jesus to a Child – chansons écrite à la mémoire d’un de ses amants - avaient été reversés à différentes associations.

Il était également un fréquent donateur de Childline, une association venant en aide aux enfants.

Ce matin, la Présidente de Childline disait ceci :

« Depuis maintenant plusieurs années, il était l’un des plus extraordinaires et généreux philanthropes de notre association mais il était déterminé à ce que sa générosité ne soit pas rendue publique ainsi personne en dehors de notre association ne pourrait savoir à quel point il avait pu donner aux enfants les plus vulnérables de notre nation. Au fil des ans, il nous a donné des millions et nous avions prévu l’an prochain, afin de célébrer notre 30^e anniversaire, d’organiser en concert en son hommage, pour son talent artistique, pour son incroyable musicalité mais aussi pour le remercier pour les centaines de milliers d’enfants qu’il a aidé grâce à ses dons. ».

George ne sera donc malheureusement pas là ce jour-là pour recevoir son hommage. Mais nul doute qu’il en a reçu en masse ce jour. A juste titre.

Salut l’artiste !

Fool for Love – Found 111 (16/12/2016) ENGLISH

Or… ♫♪ Bang bang, my babyyyy… ♫♪ (well… no one was shot but that was close)

Here I am back at the Found 111 for the fourth time. Also the last as the theatre would close its doors the very next day. Although I know good things (sometimes) must come to an end, that closing down didn’t make me jump with joy. But we’ll get back to that later… Let’s talk about tonight’s play.

Fool for Love is a story of passion, of difficult and forbidden love… What ? Romeo and Juliet ? Not even close to it. Tristan and Iseult ? Nope. Oh come on, you wouldn’t want me to break the whole story to you, would you?

Let’s just say that Fool for Love explores the lives of Eddie and May as he comes back to her in her motel room, with May being sure he cheated on her with a woman that’ll remain unseen, named the Countess. As the story evolves, we will find out that there’s more than meets the eye.

The audience will also be a witness of the tension and resentment of both main characters towards each other, through words but also actions as doors are being slammed. Loudly. And repeatedly.

Eddie (Adam Rothenberg) and May (Lydia Wilson)

Written by Sam Shepard, Fool for Love was first performed in 1983 with leading roles then played by Kathy Baker and Ed Harris. Quite amusingly, the latter is in London now, playing at Trafalgar Studios in Buried Child… another Shepard’s piece of work. Today, Eddie and May are played by Adam Rothenberg and Lydia Wilson, who both appeared in the TV show Ripper Street. The two other male characters are brought to life by Joe McGann and Luke Neal.

One thing I’ve quickly noticed was the thick American accent used by the actors. Necessary since the plot takes place on the US soil. Despite not being a fan of the American accent, Rothenberg and Wilson’s voices had a ‘thing’ that caught my attention. Their way of delivering lines had me – at times – literally captivated. Eddie remembering his first encounter with May and May explaining how her mother searched for the old man and confessing her love for Eddie… that was something! During long monologues, I never forget to keep an eye on the silent characters, checking their every reactions but Eddie’s love declaration was so powerful that I completely forgot to observe what was happening around. It was even stronger with May: I was completely immersed in her storytelling… Not to mention that my jaw almost dropped on the black ground as she said the line « blew her brains right out ». Credit has also to be given to Miss Wilson for her facial expressions: some actors deliver lines fine, have the right moves but theatre is a living thing, an expression of feelings and some actors are very good on that matter. She is one of them.

Joe McGann’s character, that old man by whom all the drama happens, is a quiet, almost silent - and yet strong – presence throughout the play. He is the voice of what you may call the story’s conscience, a guide maybe… at least, until his life choices’ consequences are revealed to him.

The old man (Joe McGann)

Luke Neal’s character brings a little relief in the tense, violent exchanges of May and Eddie. His dialogues with Eddie are a contrast with Eddie and May’s that help the audience recovering from the wildness of the lovers’ hate/love relationship.

Eddie and Martin (Luke Neal)

My Fool for Love textbook mentions that “this play is to be performed relentlessly without a break”. I’ve read here and there that some thought it’d have been more enjoyable if it was a little bit longer but in the end, I prefer one short good hour than 180 long minutes of pure boredom. This hour was a great one, with an interesting story provided by a great cast on a pleasant stage.

Speaking of that, staging has always been one of Found111’s best assets. The place is so small, the room is so low that once you put your feet in it, you know you won’t miss a single thing. It is though a constant challenge for the designer-in-charge. Ben Stones had me at hello for his impeccable work on The Dazzle but I was curious about what surprises he had in store for this production. Once I entered the room, I immediately noticed the black shiny charcoal-like matter spread on the floor. Once seated – front row, facing the stage – I realized that good old pillar in the center was still there. Most likely because it is actually a bearing pillar of the former Central St Martins School of Art. Looking around, it seemed to me the room looked a little larger than before. Is it me forgetting things or did Stones decide that since it was the final production, he may as well break a few walls? At the back of the room, silent… the old man, waiting for the audience to sit.

The stage is not only a challenge for the designer but also for the director and his cast. Moving on such a small place force the actors to be much aware of their environment. Including the audience seated on a chair at barely a few feet away. In this case, Adam Rothenberg had his hands full: not throwing a chair at someone in the first row or throwing a lasso to someone’s face, for example. Once again, Simon Evans deserves a shout-out for his directorial talent: in a limited space, he has managed to work his magic in a way that many directors couldn’t probably do. Therefore I’m eager to discover The Resistible Rise of Arturo Ui at the Donmar Warehouse in April 2017! Eurostar, hotel room and ticket are already booked!

"Where's my scalpel? Erm.. my lasso!" (Yes that's a Ripper Street reference)

One final word about the technical side of Fool for Love… the lights. Most of the time not noticed, often underrated, lighting is an aspect of theatre – as well as concerts – that cannot be taken… erm… « lightly ». Many times I’ve told myself I had a good time thanks to perfect and beautiful lights that put the band/artist under the spot… light (Damn ! Again !). It was difficult not to notice Elliott Griggs’ work on Fool for Love : neons here and there, lights coming from the back of the stage – turning the characters into shadowy figures – or May’s departure in a blast of light… loved it !

After the performance, as you get out of the room, you can’t help but take a look again at the corners of the room between the stage and the bar. Those who have been regulars are very much aware that the posters, the pieces of programs on the walls are from previous productions. They may even realize that the big panels on those walls are the very same who were displayed right above the front entrance of the building as they were played. They’re here to remind you what happened there. A little magic, maybe?

The Dazzle (10 Dec. '16 - 30 Jan. '17)

Bug (24 March - 14 May)

Leaving the theatre was difficult. I hung around for a good 15 minutes, taking pictures. My way of making sure Found 111 would somehow remain alive. The last time I’ve had that kind of melancholic feeling was in 2009 when my usual record shop closed. Until the very last second, I could simply not take my hands off that counter I spent so many hours on, chatting about music with staff members. Seven years later, it remains one of the biggest losses in my life. Because it was more than a simple building. Because it had a soul.

Those last 12 months have been an amazing experience for the Found 111 casts and teams, I’m sure, but it has also been for its audiences : the proximity you had with the actors, the stage and the action not only made us feeling like being swallowed inside the story itself but also feeling like a small piece of the whole building.

Picking up a story about love, about fools was a fine choice for a final production. Some people may have thought Emily Dobbs was a fool for jumping into such a crazy adventure but she put so much love in it that it worked more than just fine. And with Fool for Love, so close to Found 111’s first production with its story about two brothers with a mental illness who loved each other so much that they remained together ‘til the end, with its nice balance of laughters and sadness, it was a nice way to say goodbye with a bang. Of doors. Of course.

The final door (not be slammed, please)

Naming everyone involved in the Found 111 adventure is impossible. You know some people by their names on a programme but you also know there are many more, working in the dark. But… thanking them is an easy thing. And that’s what I’d like to do here by writing it down. So… thank you all. Found 111 may be gone but everytime I’ll walk on Charing Cross, I’ll sure have a look at what was an unexpected but enjoyable experience as a London addict. Sad to see it gone but looking forward to see 111’s little brother.

One final look in the mirror, one final look at the bar...

Photo credits : © Nat Lecoq and © Marc Brenner (Thank you Jan! ;) )

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