Three Kings – The Old Vic (05/09/2020) FRENCH

W.A.W. Non mais, waw quoi ! Quel paquet d’émotions en pleine tronche ce soir, mes amis… 

Chez nous, en France, en Angleterre et dans de nombreux autres pays, la vie est difficile pour le monde artistique et la culture en général... 

À Londres, le West End est fermé depuis maintenant plusieurs mois et connaît la période la plus difficile de son histoire. Certains théâtres bénéficient d’un peu d’aide mais pas tous. Alors, pour survivre, il faut trouver des solutions. En faisant par exemple usage des techniques modernes de communication. 

Ainsi, l’Old Vic, situé à une quinzaine de minutes à pied du National Theatre, a créé une nouvelle série de pièces baptisées On Camera. Tout est dans le nom : le public achète sa place en ligne et reçoit un lien qui lui permet d’assister à la pièce via Zoom. Certes, cela ne vaut pas l’ambiance, l’odeur et l'agréable staff de la salle de la vieille bicentenaire mais c’est une façon comme une autre de retourner dans un lieu qui me manque. Et de retrouver un comédien pour lequel j’ai une affection toute particulière. 

Prévue au départ pour le mois d’août, Three Kings, écrite pour être interprétée par Andrew Scott, a été reportée suite à l’hospitalisation du comédien.  La patience est une vertu qui apporte bon nombre de récompenses. Ce fut définitivement le cas ici. 

Bien sûr, je me dois d’être honnête avec vous dès le départ. Ceux qui me connaissent savent très bien que je suis à présent capable de fort peu d’objectivité lorsque j’évoque Andrew Scott. Découvert comme bon nombre dans la série Sherlock, c’est suite à une rencontre inattendue que j’ai découvert son monde théâtral. L’énorme tendresse que je ressens toujours aujourd’hui pour The Dazzle (2015), jouée au défunt Found111, a créé une forme de contrat avec Scott : tu vas sur scène, je débarque de Belgique… Hamlet (2017) Sea Wall (2018), Present Laughter (2019) démontre à elles seules, avec leurs univers tellement différents, le « spectre » (oui, oui, c’est un jeu de mots volontairement choisi) théâtral de l’Irlandais.   

Three Kings est un seul en scène qui aborde les relations père-fils, dans toute leur complexité. La pièce se divise en trois actes, présentant plusieurs moments dans la vie de Patrick, le héros de l’histoire : l’enfance, où il rencontre son père pour la première fois, qui le met face à un défi à réaliser avec trois pièces, trois… Rois ; l’âge adulte, où il apprend la mort de son père par une de ses connaissances et, dans le dernier chapitre, la rencontre avec son demi-frère… Chaque volet de l’histoire apporte son lot de surprises, de désillusions et de conséquences sur la vie et la personnalité du notre personnage central. 

The Three Kings game...

La pièce montre la Vie sous un des aspects les plus durs : un enfant qui rencontre un père qu’il imagine affectueux dès leurs retrouvailles mais qui, au final, se soucie peu de ce fils qui s’avère être une épine dans le pied dont il faut vite se débarrasser pour s’enfuir loin. Le plus loin possible. Lorsque le fils arrive à le retrouver pour lui dire qu’il a réussi le défi des trois Rois, c’est une nouvelle déception qui l’attend. La suite ne sera finalement que claques en plein visage pour le jeune Patrick. 

Malgré un thème dont il est difficile de rire, quelques doses d’humour et de sarcasme viennent se glisser entre les lignes du texte écrit par Stephen Beresford, permettant au public de n’en apprécier que plus le moment passé avec Scott. 

Lors de l’heure passée en sa compagnie, l’Irlandais exprime différentes émotions liées aux événements. Dans le premier volet, son regard et ses postures donnent naissance à l’enfant qu’il doit être. Par la suite, on le verra successivement nous offrir un Patrick surpris, déçu, fâché… On le verra aussi donner naissance à d’autres personnages, pour créer les échanges que Patrick a avec eux. Il sera le seul « ami » de son père, il sera Trisha, tenancière d’un bar ayant bien connu son père ; il sera son demi-frère qui, nouvelle claque, porte le même prénom que lui, comme si son père avait voulu oublier jusqu’à son existence... Au bout du compte, notre héros finira la pièce à fleur de peau. Comme moi. Qui aura vécu cette heure à du 200%. 

Comme évoqué plus haut, le confinement des théâtres a obligé ces derniers à être inventifs. Matthew Warchus, directeur artistique de l’Old Vic depuis 2015 et metteur en scène de Three Kings, a donc ici dû oublier toute mise en scène classique et trouver un moyen d’atteindre son public de manière différente. Andrew Scott est ainsi sur la scène de l’Old Vic mais, probablement pour la seule fois de notre vie, nous sommes avec lui sur cette scène et voyons en arrière-plan… les sièges de la salle, tous vides. Comme pour nous rappeler un bref moment le désastre culturel qui est en train de se jouer depuis plusieurs mois. Trois angles de caméra pour trois périodes différents. Pour trois rois. 

Matthew Warchus nous accueille à l'Old Vic...

Trois Rois qu’ont été Andrew Scott, pour sa magistrale interprétation ; Stephen Beresford, pour la justesse et l’équilibre parfait de son écriture et Matthew Warchus, pour le défi de mise en scène à coups de caméras et de connexions à distance relevé haut la main. Après Pride, superbe film sorti en 2014, il était agréable de retrouver ces trois-là sur un projet. Nul doute qu’ils arriveront à se retrouver pour de nouvelles aventures, dont je me réjouis déjà. 

Il y a deux jours, Andrew Scott était interviewé par Dermot O’Leary sur la scène de l’Old Vic à propos de sa vie de comédien, du théâtre, de Three Kings et de cette période un peu particulière que nous traversons. Il a notamment dit que « c’est au théâtre que l’on éprouve des frissons » et que « nous comptons sur l’art pour nous garder en vie » et qu’il trouvait extraordinaire que, malgré la pandémie, cette pièce démontrait qu’ « il y a une forme de communauté, même si nous sommes éloignés ». Il ne pouvait pas taper plus juste puisque pour ces cinq représentations, des habitants de 72 pays se sont connectés à leur PC, leur télévision, leur tablette... pour y assister. 

Dermot O'Leary et Andrew Scott

Le théâtre est une famille pour ses comédiens. Elle l’est aussi pour ceux qui aiment s’installer dans les sièges de ces théâtres pour y vivre des émotions. Comme Patrick l’a expérimenté, l’alchimie familiale fonctionne parfois de manière mystérieuse… Mais pour moi, ce soir, l’alchimie familiale Scott-Beresford-Warchus était belle et bien là, sur scène, dans toute sa splendeur. Merci messieurs ! 

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L’Old Vic est un théâtre qui ne bénéficie pas de subsides du gouvernement anglais. Les ventes de billets sont donc leur principal revenu pour donner vie aux pièces mais également pour payer leur personnel, entretenir le bâtiment et travailler sur des projets avec la jeunesse et la communauté théâtrale. Pour faire une donation, il vous suffit de cliquer ICI. 

Bien entendu, la situation est tout aussi problématique pour de nombreux théâtres, centres culturels, ASBLs… dans d’autres pays. N’hésitez donc pas à aider ces derniers si vous le pouvez, si vous le souhaiter. Chaque Euros, chaque Livres Sterling, chaque petite pièce peut faire une différence...

Images : © The Old Vic, 2020

 

Three Kings – The Old Vic (05/09/2020) ENGLISH

W.O.W. No I mean, really… WOW! Tonight was quite me receiving a bundle of emotions right in the face, my friends... 

Right now in Belgium, France, England and many other countries, it currently is a difficult time for the artistic world and culture in general... 

In London, the West End has now been closed for several months and is going through the most difficult period of its entire history. Some theaters get little help from government, but not all of them. In order to survive, these have to find solutions. Using modern communication is one of those. 

For example, The Old Vic, based at a 15-minute walk from the National Theater, has worked on a new creation called On Camera. The name says it all: people buy their ticket online and receive a link allowing them to watch the performance via Zoom. Of course, the atmosphere, smell and friendly staff of the old bicentennial venue is missing, but it’s just another and different way for me to come back to a place I miss. And another chance to see an actor for whom I have a very special affection perform again. 

Originally scheduled in August, Three Kings, written especially for Andrew Scott, has been postponed following the comedian’s hospitalization. Patience is a virtue that brings many rewards. This was definitely what happened here. 

Of course, I have to be honest with you from the very start. Those who know me well know that I am showing very little impartiality when it comes to Andrew Scott. I discovered him, like many of you, in the Sherlock series but it was after an surprising encounter that I found out about his theatrical world. The enormous tenderness I still feel today for The Dazzle (2015), played in the late Found111, gave birth to a form of contract with Scott: you go on stage, I leave Belgium for a London stay… Hamlet (2017) Sea Wall (2018), Present Laughter (2019) are pretty good demonstrations, with their very different universes, of the Irishman’s theatrical “spectre-um” (yes, it's a very deliberate pun…) 

Three Kings is a one-man play about father-son relationships, in all their complexity. The play is divided into multiple acts, presenting several moments in the life of Patrick, the main character of the story : childhood, where he meets his father for the first time, presenting him with a challenge to accomplish with three coins, three… Kings; adulthood, where he learns of his father's death from one of his acquaintances and, in the last chapter, a meeting with his half-brother… Each part of the story brings its surprises, disillusions and consequences on the life and personality of our central character. 

The Three Kings challenge... 

The play shows Life’s harshest sides: a child meeting a father for the first time for an - he thinks - affectionate conversation but who, in the end, cares little for this son who he sees as a thorn in his side he wants to get rid of quickly in order to run away. As far as he can. When his son phones him to say that he has find out about the Three Kings riddle, yet another disappointment awaits him. Resulting ultimately in a few slaps in the face for young Patrick. Again. 

 

Despite a theme not easy to laugh at, Stephen Beresford provides a few lines of humor and sarcasm between the lines of his text, allowing the audience to appreciate even more this moment spent with Scott. 

 

For an hour, the Irishman goes through different emotions depending on the events. In the first part, his gaze and postures give birth to the child he has to be at that moment. Subsequently, he will successively offer us a surprised, disappointed, angry version of Patrick… We will also see him bring other characters into reality, in order to create the interactions Patrick has with them. He will be his father’s only "friend", he will be Trisha, a bar owner who has known her father well; he will be his half-brother whom, again a slap, he shares a same first name, as if his father had wanted to forget he even existed... In the end, our hero will end on a thin-skinned line. Like me. Who have immersed myself in this play fully and completely. 

 

As mentioned above, the theaters’ closure has forced them to be inventive. Matthew Warchus, artistic director of The Old Vic since 2015 and director of Three Kings, therefore had to forget about any classic staging and find a way to reach audiences differently. Andrew Scott is on the Old Vic stage but - probably for the only time in our lives - we are with him on stage and sometimes see, in the background, the venue’s seats… all empty. As if he wanted to remind us for a brief moment the cultural disaster the UK has now been experiencing for several months. Three camera angles for three different time periods. For three kings. 

Matthew Warchus welcoming us in the Old Vic 

Three Kings... Andrew Scott, with his masterful performance; Stephen Beresford, for the accuracy and perfect balance of his writing and Matthew Warchus for this successful challenge of directing with cameras and Zoom connexions have shown they truly are kings of their own. After working together on Pride - the definitely worth seeing 2014 film - it was nice to have these three working on a new project. I have faith they will work together again in the future. And looking forward to this next project. 

 

Two days ago, Andrew Scott was interviewed by Dermot O’Leary on the Old Vic stage about his life as an actor, theatre, Three Kings and this special period of time we are going through. He mentioned that "theatre is where the thrill is", that "we rely on art to keep us alive and thrive" and that he found it extraordinary that, despite the pandemic, "there's community even though we're all apart." He could not have been more right as people from 72 different countries connected their laptop, TV, smartphones… to attend to these five performances. 

 

Dermot O'Leary and Andrew Scott

 

For actors, theatre is another version of family. People sitting in all these theatre seats also feel like they belong to a family. As Patrick experienced, family chemistry sometimes works in mysterious ways… But tonight, I thought the Scott-Beresford-Warchus family chemistry was indeed very much present on stage in all its glory. "One can be touched and moved. One can be touched but not moved. One can’t be touched and moved. " I was touched. And I was moved. So… Thank you gentlemen!

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The Old Vic does not receive funding from the British government. Ticket sales are therefore their main income to offer new plays to audiences but also to pay their staff, support their projects with youth and their community and, basically, keep the building open. If you want to make a donation, all you need to do is click HERE.

 

Of course, the situation is just as problematic for many theaters, cultural centers, non-profit organizations... in other countries. So do not hesitate to help them if you can, if you wish to help. Every Euro, every Pound, every little coin can make a difference.

 

All pictures : © The Old Vic, 2020

L’histoire de… Freedom! ‘90 (George Michael, 1990)

Mince alors… Madame Faucheuse continue à faire ses siennes ! Depuis le début de l’année 2016, elle a décidé que la star, ce serait elle et qu’elle serait partout. Elle a tranché le fil de vie de nombreuses personnes, de tous âges et univers. On pourrait moins s’émouvoir du « départ » de certains en raison de leur âge déjà avancé : Zsa Zsa Gabor, Toots Thielemans, John Glenn, Michel Galabru, George Martin, Jack Davis, Pierre Tchernia, Leonard Cohen, Kenny Baker et tant d’autres ont marqué chacun leur univers – parfois sur plusieurs générations - et leur décès reste néanmoins un petit bout d’histoire qui s’en va.

A l’inverse, David Bowie (le 10/01, 69 ans), Alan Rickman (14/01, 69 ans), Prince (21/04, 57 ans), Anton Yelchin (19/06, 27 ans) et quelques autres étaient sincèrement bien trop jeunes pour aller dire « présent ! » à Saint Pierre. Si tant est qu’il existe un Paradis…

La Faucheuse ne se repose jamais et ne prend jamais de congés : le 24 décembre, le monde apprenait le décès de Rick Parfitt, guitariste de Status Quo. Le lendemain, mon fil Twitter faisait défiler la même info à tout va. Une info qui m’a fait l’effet d’une gifle en plein visage. Un instant, j’ai cru à un méchant hoax parce que… non, trop jeune. Après tout, Santana, Lady Gaga et d’autres – Paul McCartney le premier ! – ont déjà été victimes de ce genre de canular de TRES mauvais goût. Mais… quand la BBC, quand le New York Times, quand les agences de presse Reuters et AP relayent l’information, on sait alors qu’on est au-delà d’une rumeur ridicule…

George Michael est donc mort. A 53 ans.

Sans avoir été fan ultime de George Michael, dire que la jeune ado que j’étais fin des années ’80 n’a pas un tantinet bavé sur un de ses posters serait un mensonge éhonté. Toutefois, une fois mis de côté l’aspect « physique », il y avait bien plus en la personne de George Michael. Oui, OK, il y a eu quelques débordements, certes : une sexualité « débordante » et un usage de drogues de manière régulière. Mais qui est parfait sur cette terre ? Et puis, le mode de vie d’un être humain reste – selon moi et tant qu’il ne nuit pas directement à autrui – une affaire personnelle.

George Michael, c’était aussi une put*** de voix. Parfois douce comme posée sur du velours (Jesus to a Child), parfois pleine de force (Monkey), voire un savant mélange des deux (Freeek) mais toujours agréable à l’oreille.

Le 30 janvier 2009, dans une version précédente de ce blog alors présent sur Facebook sous forme d’un groupe, je postais une chronique sur cet artiste qui a écrit une page du Grand Livre de la Musique, en parlant d’un de ses hits, Freedom.

Absent de la scène et des médias depuis quelques années, George Michael n’avait, en 30 ans de carrière solo, sorti que 6 albums, 2 best-of et un album live. Vendus à plus de… 100 millions d’albums. Qu’on l’ait aimé ou pas, dire que George Michael n’a pas marqué l’Histoire de la Musique serait un peu exagéré, non ?

Ci-dessous, je vous présente cette ancienne chronique. Il s’agit d’une version quasi-inchangée de ce que j’avais écrit à l’époque. Le principe de mes chroniques de l’époque étant une connexion établie entre deux d’entre elles, j’ai toutefois changé quelques parties (mise entre crochets) pour qu’elle reste cohérente.

« Né Georgios-Kyriacos Panayiotou (on comprendra pourquoi il a choisi de se produire avec un nom de scène !), George Michael connaîtra d’abord le succès au sein du groupe Wham! formé en 1981 et dissout en 1986. Les plus jeunes d’entre vous ne s’en souviennent peut-être pas mais Wham! est à l’origine de pas mal de hits que l’on repasse encore aujourd’hui de manière régulière : Wake Me Up Before You Go Go ou Last Christmas, par exemple.

Mais revenons-en à notre chanson: sortie en 1990 et extraite de l’album Listen Without Prejudice, Vol 1, Freedom! ‘90 est l’une des plus longues de George Michael… pas loin de 7 minutes. Si vous vous penchez un peu sur les paroles, vous apprendrez qu’elle parle d’un jeune homme se sentant oppressé par l’image que l’on veut montrer de lui et qu’il veut se libérer de cette même image : il faut savoir que déjà à l’époque de Wham!, un paquet de jeune filles étaient dingues de George et de son physique et, bien entendu, sa compagnie de disques l’encourage vivement à jouer de cette image afin de booster les ventes. Ouais… sauf qu’à la longue, ça lasse et là, pour le coup, George, il en a marre ! Résultat : il veut son indépendance et, en l’occurrence, quitter sa maison de disques. Sauf que ce n’est pas si facile que ça… Il finit par écrire cette chanson afin de mettre en avant ce ras-le-bol…

Et pour bien l’illustrer, il refuse tout d’abord d’apparaître dans la vidéo. Qu’à cela ne tienne, il recrute un ensemble de top-models pour « chanter » la chanson à sa place. Parmi elles, Linda Evangelista, Naomi Campbell, Cindy Crawford, Christy Turlington… [Le réalisateur] illustrera la révolte de George en détruisant quelques symboles lui étant associés : la guitare et le blouson de cuir de l’époque de l’album « Faith »…

Vous savez tous maintenant que l’on a appris que George Michael était homosexuel en 1998, soit 8 ans après la sortie de Freedom (Vous saviez pas ? Heuuuu désolée alors…). Je vous encourage dès lors à vous pencher à nouveau sur les paroles car là soudainement, la chanson prend une toute autre signification et révèle le talent de parolier du britannique. Avec une seule et même chanson, il arrive à faire passer 2 messages séparés : le ras-le-bol de sa maison de disques ET la difficulté d’être idolâtré par des femmes et de devoir ainsi cacher sa vraie « nature ».

Encore une anecdote à propos de cette chanson : vous avez sans doute remarqué que la chanson était suivie d’un 90. Pas besoin d’être un génie pour comprendre qu’il s’agit de l’année de sortie du single mais pourquoi cette rajoute ? Et bien tout simplement afin d’éviter une confusion car Wham! avait déjà sorti un single portant le même titre en 1984.

[partie supprimée]

[Allez une dernière information à propos de Freedom. Je parlais un peu plus haut du réalisateur sans le nommer directement. Ce dernier n’est en effet pas un novice quand il réalise cette vidéo. En 1990, il a déjà à son compte des vidéos pour Sting, Steve Winwood, Paula Abdul et, quelques mois auparavant, il réalisait Vogue, sa troisième vidéo pour Madonna. Devenu depuis réalisateur de long-métrages, il est revenu à ses premières amours en 2013 en réalisant la vidéo Suit & Tie de Justin Timberlake et Jay-Z. Elle lui permettra d’acquérir un second Grammy Award, 18 ans après celui obtenu pour Love Is Strong des Rolling Stones. Suit & Tie lui permettra également de voler le titre de réalisateur le plus récompensé aux MTV Video Music Awards à Spike Jonze. Qui est donc le réalisateur de Freedom ? David Fincher, le « papa » de Seven, Fight Club, Panic Room ou – plus récemment – Gone Girl.]

George Michael n’est plus mais il nous restera quelques bons morceaux… Et un peu plus pour certaines personnes.

Souvenez-vous, en 1991, il enregistre en duo la chanson Don’t Let the Sun Go Down on Me avec Elton John, créateur de celle-ci. Les bénéfices de ce single seront reversés à pas moins d’une dizaine d’actions caritatives.

Il a également participé, l’année suivante, au concert d’hommage à Freddie Mercury, disparu quelques mois auparavant. Aux côtés de Bowie (!), Axl Rose, Elton John, Annie Lennox, Slash, Lisa Stansfield, il interprète notamment une version inoubliable de Someone to Love, méritant le respect.

S’il a fait souvent la une des journaux avec ses déboires, il a su cependant garder certaines choses secrètes. Au lendemain de sa mort, des langues se sont déliées. Oh non, rien de dramatique ou de scandaleux. Non… Tenues au secret du vivant de l’artiste – selon sa propre volonté – plusieurs personnes ont aujourd’hui avoué que George Michael avait discrètement fait des dons à de multiples associations caritatives ou, simplement, aidé des gens dans le besoin.

A une étudiante en soins infirmiers criblée de dettes, il avait offert 5 000£.

A une jeune femme ayant besoin d’argent pour réaliser l’insémination qui lui permettrait de devenir maman, il avait apporté la somme nécessaire.

Il avait acquis le piano de John Lennon, celui sur lequel il avait composé Imagine. Il en avait ensuite fait discrètement don au musée Beatles Story à Liverpool, parce qu’il voulait que le piano revienne sur la terre natale du Beatles. Il y est toujours aujourd’hui.

Tous les bénéfices de son titre Jesus to a Child – chansons écrite à la mémoire d’un de ses amants - avaient été reversés à différentes associations.

Il était également un fréquent donateur de Childline, une association venant en aide aux enfants.

Ce matin, la Présidente de Childline disait ceci :

« Depuis maintenant plusieurs années, il était l’un des plus extraordinaires et généreux philanthropes de notre association mais il était déterminé à ce que sa générosité ne soit pas rendue publique ainsi personne en dehors de notre association ne pourrait savoir à quel point il avait pu donner aux enfants les plus vulnérables de notre nation. Au fil des ans, il nous a donné des millions et nous avions prévu l’an prochain, afin de célébrer notre 30^e anniversaire, d’organiser en concert en son hommage, pour son talent artistique, pour son incroyable musicalité mais aussi pour le remercier pour les centaines de milliers d’enfants qu’il a aidé grâce à ses dons. ».

George ne sera donc malheureusement pas là ce jour-là pour recevoir son hommage. Mais nul doute qu’il en a reçu en masse ce jour. A juste titre.

Salut l’artiste !

Fool for Love – Found 111 (16/12/2016) ENGLISH

Or… ♫♪ Bang bang, my babyyyy… ♫♪ (well… no one was shot but that was close)

Here I am back at the Found 111 for the fourth time. Also the last as the theatre would close its doors the very next day. Although I know good things (sometimes) must come to an end, that closing down didn’t make me jump with joy. But we’ll get back to that later… Let’s talk about tonight’s play.

Fool for Love is a story of passion, of difficult and forbidden love… What ? Romeo and Juliet ? Not even close to it. Tristan and Iseult ? Nope. Oh come on, you wouldn’t want me to break the whole story to you, would you?

Let’s just say that Fool for Love explores the lives of Eddie and May as he comes back to her in her motel room, with May being sure he cheated on her with a woman that’ll remain unseen, named the Countess. As the story evolves, we will find out that there’s more than meets the eye.

The audience will also be a witness of the tension and resentment of both main characters towards each other, through words but also actions as doors are being slammed. Loudly. And repeatedly.

Eddie (Adam Rothenberg) and May (Lydia Wilson)

Written by Sam Shepard, Fool for Love was first performed in 1983 with leading roles then played by Kathy Baker and Ed Harris. Quite amusingly, the latter is in London now, playing at Trafalgar Studios in Buried Child… another Shepard’s piece of work. Today, Eddie and May are played by Adam Rothenberg and Lydia Wilson, who both appeared in the TV show Ripper Street. The two other male characters are brought to life by Joe McGann and Luke Neal.

One thing I’ve quickly noticed was the thick American accent used by the actors. Necessary since the plot takes place on the US soil. Despite not being a fan of the American accent, Rothenberg and Wilson’s voices had a ‘thing’ that caught my attention. Their way of delivering lines had me – at times – literally captivated. Eddie remembering his first encounter with May and May explaining how her mother searched for the old man and confessing her love for Eddie… that was something! During long monologues, I never forget to keep an eye on the silent characters, checking their every reactions but Eddie’s love declaration was so powerful that I completely forgot to observe what was happening around. It was even stronger with May: I was completely immersed in her storytelling… Not to mention that my jaw almost dropped on the black ground as she said the line « blew her brains right out ». Credit has also to be given to Miss Wilson for her facial expressions: some actors deliver lines fine, have the right moves but theatre is a living thing, an expression of feelings and some actors are very good on that matter. She is one of them.

Joe McGann’s character, that old man by whom all the drama happens, is a quiet, almost silent - and yet strong – presence throughout the play. He is the voice of what you may call the story’s conscience, a guide maybe… at least, until his life choices’ consequences are revealed to him.

The old man (Joe McGann)

Luke Neal’s character brings a little relief in the tense, violent exchanges of May and Eddie. His dialogues with Eddie are a contrast with Eddie and May’s that help the audience recovering from the wildness of the lovers’ hate/love relationship.

Eddie and Martin (Luke Neal)

My Fool for Love textbook mentions that “this play is to be performed relentlessly without a break”. I’ve read here and there that some thought it’d have been more enjoyable if it was a little bit longer but in the end, I prefer one short good hour than 180 long minutes of pure boredom. This hour was a great one, with an interesting story provided by a great cast on a pleasant stage.

Speaking of that, staging has always been one of Found111’s best assets. The place is so small, the room is so low that once you put your feet in it, you know you won’t miss a single thing. It is though a constant challenge for the designer-in-charge. Ben Stones had me at hello for his impeccable work on The Dazzle but I was curious about what surprises he had in store for this production. Once I entered the room, I immediately noticed the black shiny charcoal-like matter spread on the floor. Once seated – front row, facing the stage – I realized that good old pillar in the center was still there. Most likely because it is actually a bearing pillar of the former Central St Martins School of Art. Looking around, it seemed to me the room looked a little larger than before. Is it me forgetting things or did Stones decide that since it was the final production, he may as well break a few walls? At the back of the room, silent… the old man, waiting for the audience to sit.

The stage is not only a challenge for the designer but also for the director and his cast. Moving on such a small place force the actors to be much aware of their environment. Including the audience seated on a chair at barely a few feet away. In this case, Adam Rothenberg had his hands full: not throwing a chair at someone in the first row or throwing a lasso to someone’s face, for example. Once again, Simon Evans deserves a shout-out for his directorial talent: in a limited space, he has managed to work his magic in a way that many directors couldn’t probably do. Therefore I’m eager to discover The Resistible Rise of Arturo Ui at the Donmar Warehouse in April 2017! Eurostar, hotel room and ticket are already booked!

"Where's my scalpel? Erm.. my lasso!" (Yes that's a Ripper Street reference)

One final word about the technical side of Fool for Love… the lights. Most of the time not noticed, often underrated, lighting is an aspect of theatre – as well as concerts – that cannot be taken… erm… « lightly ». Many times I’ve told myself I had a good time thanks to perfect and beautiful lights that put the band/artist under the spot… light (Damn ! Again !). It was difficult not to notice Elliott Griggs’ work on Fool for Love : neons here and there, lights coming from the back of the stage – turning the characters into shadowy figures – or May’s departure in a blast of light… loved it !

After the performance, as you get out of the room, you can’t help but take a look again at the corners of the room between the stage and the bar. Those who have been regulars are very much aware that the posters, the pieces of programs on the walls are from previous productions. They may even realize that the big panels on those walls are the very same who were displayed right above the front entrance of the building as they were played. They’re here to remind you what happened there. A little magic, maybe?

The Dazzle (10 Dec. '16 - 30 Jan. '17)

Bug (24 March - 14 May)

Leaving the theatre was difficult. I hung around for a good 15 minutes, taking pictures. My way of making sure Found 111 would somehow remain alive. The last time I’ve had that kind of melancholic feeling was in 2009 when my usual record shop closed. Until the very last second, I could simply not take my hands off that counter I spent so many hours on, chatting about music with staff members. Seven years later, it remains one of the biggest losses in my life. Because it was more than a simple building. Because it had a soul.

Those last 12 months have been an amazing experience for the Found 111 casts and teams, I’m sure, but it has also been for its audiences : the proximity you had with the actors, the stage and the action not only made us feeling like being swallowed inside the story itself but also feeling like a small piece of the whole building.

Picking up a story about love, about fools was a fine choice for a final production. Some people may have thought Emily Dobbs was a fool for jumping into such a crazy adventure but she put so much love in it that it worked more than just fine. And with Fool for Love, so close to Found 111’s first production with its story about two brothers with a mental illness who loved each other so much that they remained together ‘til the end, with its nice balance of laughters and sadness, it was a nice way to say goodbye with a bang. Of doors. Of course.

The final door (not be slammed, please)

Naming everyone involved in the Found 111 adventure is impossible. You know some people by their names on a programme but you also know there are many more, working in the dark. But… thanking them is an easy thing. And that’s what I’d like to do here by writing it down. So… thank you all. Found 111 may be gone but everytime I’ll walk on Charing Cross, I’ll sure have a look at what was an unexpected but enjoyable experience as a London addict. Sad to see it gone but looking forward to see 111’s little brother.

One final look in the mirror, one final look at the bar...

Photo credits : © Nat Lecoq and © Marc Brenner (Thank you Jan! ;) )

Links :

Website : http://found111.co.uk/

Facebook : https://www.facebook.com/FOUND111LDN

Found 111 Twitter : https://twitter.com/found111ldn

The Dazzle – Found111 (09/01/2016) ENGLISH

Or… "A suicide by things"…

I usually always know how to end my article but rarely know how to start them. I should probably begin this one by explaining how I ended up – me little Belgian woman – in a temporary theatre at number 111 of Charing Cross Road, London.

Originally, I was back in London to see The Winter's Tale with Judi Dench and Kenneth Branagh, which I did. And yes, Shakespeare is a hell of a challenge when English isn't your mother language!

Anyway, it was a four-day stay and I needed to fill these days with as much art as I could.

The reason I bought a ticket for The Dazzle is simple: it started with my passion for Sir Arthur Conan Doyle. The Hound of the Baskervilles is the first book I've ever read in English. Therefore, anything involving Sherlock Holmes and his longtime partner Watson has always had an interest to me since then. I guess you see where I'm going… right?

Andrew Scott has found fame in his interpretation of Moriarty, Holmes 'nemesis in the BBC series Sherlock, or – recently – in Spectre, the latest chapter of James Bond's adventures. In addition of his work in the TV and movie industries, the Irish actor also has an impressive stage career.

Kindness (and talent!) are two major elements that makes me keep an eye on someone's career. I've had the opportunity of meeting Mr Scott a few months ago and appreciated his kindness when he signed my Hound of Baskervilles book even though his character Moriarty doesn't appear in the novel. So… naturally, I've kept a close eye on his projects since then.

So… here's for the 'how I ended up there'.

Now back to the play… The Dazzle is no one-man show: it's a threesome! What? Oh no, not the kind of threesome you imagine! A chaste one.

The others actors involved in The Dazzle are Joanna Vanderham and David Dawson. The two weren't strangers to me either since Miss Vanderham played in the amazing 2012 film What Maisie knew and Mr Dawson appeared in the TV series Ripper. Both also appeared together in the sadly cancelled series Banished.

L to R : Joanna Vanderham, David Dawson, Andrew Scott

Originally written by Richard Greenberg in 2002, The Dazzle tells the story of the Collyer brothers, the famous New-York hoarders. Yes, my friends, this play is about people who really existed… Why a story about them? Because, in some ways, their story – yet tragic – is also a fascinating one.

Scott plays Langley Collyer, a talented but tortured pianist while Dawson plays Homer Langley, his accountant brother. Vanderham's character is the rich socialite Milly Ashmore who's, at first, infatuated with Langley. Though Milly is a fictional character, she's definitely an important element of Greenberg's story.

I've read in a few reviews that Vanderham's character was considered as secondary. In my opinion, even though she has less presence in terms of timing, the dynamic wouldn't definitely be the same without her, especially in the first act. She triggers something in both brothers, in very different ways, during the first part of the story… romantically and financially.

The interaction between the three actors is strong, vivid and definitely strengthens the credibility of the characters. The trio made the characters interesting and endearing, despite their respective flaws.

The Dazzle is more than a love story though… It is also a funny one: the sarcasm between the brothers, the 'you kind of lost me there, Langley' look on Milly's face, the attitudes, the discreet movements of objects you eventually end up noticing anyway…

And yet… I sure laughed many times but couldn't help but feel a little sadness as well : you quickly understand how of a tortured – if not autistic – soul Langley is and also realize, as the story goes, that Homer wanted a different life. A life he also knew he'd never have partly because of his brother.

Even though Homer seems to be a solid, pragmatic man in the first act, it becomes quickly obvious that their way of live has taken its toll on him in the course of time or… could it be that the brothers suffered in fact from the same disease?

Despite what happens, the bond between the brothers remains strong through all their own battles and Scott and Dawson's interpretation as brothers was absolutely convincing.

That tenderness remains constant in both acts: in the first act, Homer has to care for Langley but in the second one, the situation is reversed and Langley does his best to help his brother, scared at the idea of being left alone. This moment – even though it had a funny 'Bible' start – literally put tears in my eyes. I was aware of the Collyers story so I knew where we were heading to but Dawson's resignation and Scott's fear and despair also affected me. More than I thought it would, to be honest.

So… The Dazzle made me laugh. And cry. It moved me. And that's exactly what I want once I enter in a theatre. It doesn't matter if I look like a mess once I'm coming out of it, as long as I've felt strong emotions. In this, The Dazzle was a complete success. Best proof is this article as this blog mainly deals with music rather than the theatre life…

Speaking of theatres, using a quite uncommon place to play Greenberg's work is also a brilliant idea. The 120-something seats (some of which being old church chairs!) installed in what had probably been a classroom of the former Central St Martin School of Art and noise coming from Charing Cross Road provided the confined necessary environment for the brothers 'story.

Each and every one of us were able to enjoy Greenberg's jewel since we were only a few feet away from Vanderham, Scott and Dawson. Yes, yes, sometimes it wasn't easy to see their faces but… only for a few moments since the three of them carefully moved around the stage, giving everyone an opportunity to see the actions – and reactions – of the characters.

A few other things also caught my attention… The objects collected by the brothers, the sound of the clocks, the clothes (especially the beautiful dresses of Miss Vanderham), the lights... and one other thing that happened before the second act had officially started definitely convinced me that The Dazzle will remain one of the finest moments I've experienced in my numerous London trips.

So… thank you to Miss Vanderham and both Mister Scott and Dawson for this amazing time (and congratulations on moving so easily in the dark without falling flat on your face! ;) ) but also a massive thank you and 'bravo' to Simon Evans for his wise directional ideas and to everyone involved in this adventure.

In the end, The Dazzle is the best proof that it sometimes takes only a little to make big things. The set wasn't outrageous, the cast wasn't numerous, the venue wasn't prestigious and the price wasn't certainly scandalous (35£) but… the result was absolutely fa-bu-lous.

The Dazzle is still played at Found111 until January 30th. It's now a sold out event BUT… 5 day seats at 10£ are available at 6pm for evenings & 1.30pm for matinees every day. One ticket per person. May you be the next lucky one to get one of those! ;) 

Finally, thank you to Jan Baister for providing me the pictures of this article (© Marc Brenner).

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